El chispeante blog del tipo llamado Bob

House of Cards

2011-09-30T12:27:00.003+02:00

(1990, 1993, 1995)

La BBC tiene una fama, y bien merecida, en el ámbito de las series y programas de ficción y se ha convertido en una garantía de calidad en muchos casos. Lo atestiguan magníficas series actuales como Docttor Who, Sherlock o The Hour o clásicos shows de humor como Flying Circus y el siempre reivindicable programa radiofónico The Goon Show (con Peter Sellers y Spike Milligan).

Ni tan reciente como las primeras ni tan antigua como las segundas, encontramos House of cards, una miniserie de los años 90 protagonizada por Ian Richardson que narraba los tejemanejes políticos de Francis Urquhart, una especie de Maquiavelo moderno con grandes aspiraciones.

La primera entrega, House of Cards, nos muestra, como muchas de las grandes obras literarias y cinematográficas de la historia, la transición de Urquhart, y lo hace hablando directamente al espectador y haciéndole partícipe de sus brillantes planes. Manipulación, mentira, corrupción… No hay nada con lo que no se atreva, pero lo hace siempre con un estilo grandioso y una presencia memorable.

El guión de Andrew Davies queda en manos del director Paul Seed. Y el trabajo de ambos es brillante. Sin haber leído la novela original de Michael Dobbs, por supuesto, hay algunas cosas sobre las que no puedo opinar. Pero a diferencia de la miniserie de El topo, producida por la BBC por esos años y con Alec Guiness en el papel principal (y que daba la impresión de ser una plúmbea adaptación literal de los libros); House of cards tiene entidad como serie. Davies y Seed cambiaron la obra original para que Urquhart pudiera romper la llamada cuarta barrera (hablando a cámara), modificando y enriqueciendo relaciones y cambiando el final. No cabe duda de que si House of cards funciona es gracias tanto al material de partida como a la forma de tratarlo.

Con unos actores correctísimos (liderados por el poderoso Richardson) y una factura técnica impecable, House of Cards es una serie intrigante y sorprendente, un relato de corrupción política a todos los niveles financiada, a todo esto, por una cadena pública.

El éxito de la serie impulsó a la BBC a seguir la historia con To play the King. La escena final de la novela original hacía muy difícil una continuación de las aventuras de Francis Urquhart. Cosas de la vida, este final fue cambiado en la miniserie, abriendo así una puerta a una secuela.

Curiosamente, Michael Dobbs, el autor de la novela original, pareció seguir esta idea y decidió, auspiciado por el éxito, escribir la secuela en libro, para que posteriormente fuera adaptada por Davies y Seed.

Y aunque To play the King es sin duda una buena serie, hay ciertos fallos que la distancian de su predecesora. La serie se centra esta vez en las relaciones entre los políticos y la realeza, y en ese ámbito presenta algunos puntos verdaderamente interesantes, que podrían llevar la historia a un nuevo nivel.

Por desgracia, esta secuela se ve perjudicada por una atmosfera general de autoconsciencia. Nacida del éxito de la primera, más que de una verdadera necesidad de contar una historia, To play the King conoce su éxito y prolonga y sobreexplota los puntos fuertes de la primera parte, pero no lo hace naturalmente, sino dando la impresión de estar llevada por un fanático de la primera. El uso de ciertos elementos, la reutilización de tópicos establecidos anteriormente, la evolución de la historia por caminos trillados en el thriller político (algo bastante ausente en la primera parte) y, en general, la simplificación de personajes y situaciones, impiden que esta secuela esté al nivel de la original. Pero los puntos interesantes, que los hay, hacen una serie entretenida e interesante.

Nuevamente, con el éxito de las anteriores entregas y la moda extendida de hacer trilogías, Francis Urquhart volvió, con una nueva novela de Dobbs, un nuevo guión de Davies y, esta vez, un nuevo director, Mike Vardy. The Final Cut.

Lo que destaca ya desde los primeros minutos de esta tercera y última entrega es la hiperbolización de los males endémicos de la segunda parte. La sensación de estar viendo un fanfiction más que una continuación real aumenta, igual que lo hace la presencia de tópicos del género en la trama y los personajes, hasta el punto de parecer una traición a la obra original. Las conspiraciones por el poder de la primera parte y el papel político de la realeza planteado en la segunda, dejan paso en esta tercera parte a una obvia y muy vista historia de venganzas que concluye con un último episodio que simplifica al absurdo y al ridículo todo lo que significa Housa of cards. The Final Cut puede ser una historia entretenida vista por sí misma, pero sin duda es una degeneración obvia en comparación con sus antecesoras, con personajes que evolucionan de forma casi antinatural y un plantel de secundarios que carecen del carisma de sus predecesores.

Como con tantas otras obras que permanecen con holgada dignidad en sus dos primeras entregas y se hunden en la tercera, The Final Cut pretende poner un final obvio y manido a una historia que destacaba por ser algo diferente.

Con todo, aunque solo sea por su primera parte y los apuntes políticos de la segunda, House ofcards es una serie sobria, elegante y sumamente interesante.

No habrá paz para los malvados

2011-09-20T15:59:00.004+02:00

(2011)

Existe una tradición de cine negro en España indudablemente idiosincrásico. A diferencia del género de terror de los últimos años, que en muchos casos no es sino una copia del cine que nos llega de fuera, el primero consigue destacar con películas tan interesantes como El crack de José Luís Garci o Todo por la pasta de Enrique Urbizu, director de No habrá paz para los malvados, que también puede inscribirse en esta corriente.

Lo que más llama la atención de la película es, incuestionablemente, el personaje principal, Santos Trinidad, y el actor que lo interpreta, siempre correcto y a veces inmenso José Coronado. Son ambos, personaje y actor, los que brillan en No habrá paz para los malvados y eso queda clarísimo en los primeros 15 minutos, que nos presenta a este individuo en medio de la noche madrileña. Un inicio con pulso, intrigante y que podría presagiar una película brillante.

Y hay brillantez en la obra de Urbizu, pero no suficiente como para hacer que el conjunto funcione y nos haga olvidar sus fallos, que están, en gran parte, en todos los planos en que falta el actor principal, que son bastantes más de los que cabría desear.
Urbizu y su coguionista Michel Gaztambide están empeñados en convertir lo que debería ser una película de protagonista absoluto en una película coral. El personaje de Santos Trinidad es algo convencional y presenta poca novedad, pero es indudablemente efectivo, más aun en manos de Coronado, quien podría cargar perfectamente con un thriller de tiros y drogas. La historia de su investigación presenta la gran mayoría, si no todos, los aciertos de Urbizu como director y guionista: los mencionados 15 primeros minutos o la escena en el vertedero con la ciudad al fondo (esta segunda, con magnífica fotografía de Unax Mendia)…

Santos Trinidad es un estereotipo que funciona, que no demanda mucho de Urbizu y Gaztambide como guionistas. En el momento en que ambos deciden crear una segunda trama con la investigación judicial, entra en escena una historia redundante, que no lleva realmente a ningún sitio y que ocupa la mitad (o más) de la cinta, poblada encima con un plantel de actores a cada cual más forzado, bien sea por ellos mismos o por la incapacidad de Urbizu para dirigirlos.
La historia de Santos Trinidad, por intensa que pueda ser en algunos momentos, cae víctima de la monotonía que suscita esta subtrama y sus personajes, que terminan arrastrando No habrá paz para los malvados a un final ridículo (no muy alejado del último acto de Frenético de Roman Polansky).

Enrique Urbizu nos da una película clarísimamente divisible en dos partes, una enormemente interesante y una innecesariamente monótona, y aunque la primera salva la película del olvido inmediato y el horror, la segunda lastra la cinta y la impide ser tan grandiosa como podría haber sido.

El cine y las subvenciones: El arte y el negocio

2011-09-15T17:38:00.001+02:00

Uno de los temas polémicos que siempre ha suscitado el cine español es el de las subvenciones, tema que ahora reaviva con gracias al director Tinieblas González, que dio a conocer públicamente lo que ha pasado con su película, Alma sin dueño.
No es una novedad, pero sí debería ser un escándalo, que cada año se producen en el cine español decenas, si no cientos, de películas que jamás son estrenadas. Sirva como ejemplo The Birthday, que salió directamente en DVD 4 años después de terminarse, o Extraterrestre, que fue comprada en Francia antes que en España.
Uno de los principales problemas del cine español es la distribución.

Como el propio Tinieblas González dio a entender a los medios, la raíz está en que las productoras recaudan los beneficios con las subvenciones públicas, haciendo irrelevante que se estrene o no la película.
Se nos plantea la pregunta, ¿por qué es necesaria una subvención? ¿Por qué pagamos todos por películas que no podemos ver en cines o que tenemos que pagar para ver, o que no nos gustan?
El ex director del ICAA, Fernando Lara, publica en la revista Fotogramas de septiembre un artículo donde explica que las subvenciones se basan en “la excepción cultural, que intenta preservar esos bienes de aquellos que poseen un simple valor comercial”. Es decir, el cine como arte, o el cine como negocio.

Existe una cierta reticencia general a tratar al cine como arte y se le mira, simplemente, como negocio. Quizás porque es mucho más joven que la pintura, la escultura, la escritura, la música…aunque, curiosamente, los englobe a todos.
Pero si no dudamos de que Beethoven y Van Gogh son arte, no deberíamos dudar de que también lo son Hitchcock y Spielberg. Si unos son mejores que otros, es otro tema distinto.

Por otro lado, también los hay que no quieren tratar al cine como negocio, sino como arte.
La cuestión es que Van Gogh y Beethoven llevan ya muchos años muertos, pero Spielberg está muy vivo, y cada nueva película que hace implica una dedicación completa de cientos de personas y recursos, con el consiguiente dinero invertido que debe recuperarse. Es decir, el cine es arte Y negocio, son inseparables.
Charlton Heston lo resumió con la muy conocida frase “el problema de las películas comerciales es que el cine es un arte, y el problema de las películas artísticas es que el cine es un negocio”, una parte no puede vivir sin la otra, por definición.
El brillantísimo cineasta Paul Thomas Anderson, por su parte, dijo “Veo las películas de Spielberg y son cuentos de hadas, y yo hago una película sobre cáncer y ranas. Aun así, quiero tener el mismo número de espectadores. Ese es un mi objetivo y he fallado si no lo he conseguido”. No era el único. Cineastas de reconocida calidad, artistas personales como eran Stanley Kubrick y Alfred Hitchcock (por citar dos) tenían siempre un ojo puesto en la taquilla.

El arte es una expresión personal de una o varias personas hecha para disfrute de otras; el objetivo de todo cineasta debería ser expresarse y buscar que su expresión y sus sentimientos lleguen al máximo de personas posibles.
Pensar que el cine no es un negocio, que la película de uno es demasiado buena para ser disfrutada por espectadores mundanos, que la expresión personal no tiene por qué ser compartida por otras personas… No es arte. Es, simple y llanamente, masturbación.

El cine no tiene barreras, no más que las que nosotros le imponemos. Presuponemos que una película de género es inferior a un drama, presuponemos que el gran público solo quiere ver películas malas… Y nos encerramos en esa burbuja de dramas mil veces vistos, alabados alrededor de todo el mundo, que fracasan en taquilla porque “los espectadores no saben lo que quieren”. Y como no saben lo que quieren, debemos encontrar subvenciones, para que este nuestro “arte” siga vivo y pueda seguir siendo ignorado por todas las personas a las que, supuestamente, debería apelar.

Hasta que desaparezcan las subvenciones desmesuradas, hasta que haya un control real de producción y distribución de películas, hasta que la industria salga de su endogamia y su autocomplacencia, hasta que los directores acepten que tienen que hacer negocio… Hasta que ese día llegue, el cine español seguirá teniendo un gran problema.

Domingo sangriento

2011-08-31T21:16:00.001+02:00

(Bloody Sunday, 2002)

En muchos casos, la mayor crítica que se puede hacer es el simple retrato.
Mucha gente necesita distanciarse y ser arrastrado por la corriente para aceptarlo, sin caer en la cuenta que las acciones de hace cientos de años que condenamos, son las mismas en las que incurrimos nosotros ahora mismo.
Pequeña digresión para hablar de Domingo sangriento, posiblemente la mejor película de Paul Greengraas, que narra la masacre del ejército a un grupo de ciudadanos irlandeses en 1972.

Greengraas es posiblemente más conocido por sus incursiones en el cine blockbustero, como las entretenidas dos últimas partes de la saga Bourne o la infame Green Zone, pero es en contadas ocasiones cuando se decanta por proyectos más personales. A día de hoy, de sus proyectos cinematográficos, solo dos han sido escritos por él mismo; sus dos mejores trabajos. United 93 y esta Domingo sangriento.

Ambas películas tienen un estilo documental y ambas son dramatizaciones de sucesos reales, con un poderío dramático increíble y, en el caso de la película que nos ocupa, toda clase de lecturas y críticas.
Porque la dramatización es clara y en ocasiones resulta algo torpe, pero es un simple adorno al verdadero poder de la película, que son los mismos hechos.

Los personajes de Domingo sangriento, sus historias personales, nos importan e interesan a un nivel emocional, al mismo nivel al que nos importan los personajes de cualquier ficción actual.
Los sucesos reales, los hechos contrastados, componen una fotografía de una situación ridículamente violenta que plantea toda clase de cuestiones sobre el poder y la democracia, inherentes no a la película, sino a la situación misma.

Como el ser humano es el único animal que tropieza dos veces en la misma piedra, el mero retrato de acciones pasadas es un vistazo a su naturaleza, un retrato de lo que pasa actualmente y una profecía de lo que seguirá pasando; un perfecto retrato de un mundo en conflicto que necesita cientos de años o kilómetros de distancia para reconocer en otros sus propios errores.

Super 8

2011-08-28T00:25:00.002+02:00

(2011)

A lo largo de estos últimos años, la nostalgia ochentera ha ido haciéndose un hueco en el mundo del cine, películas que nos retrotraen a clásicos del cine blockbuster de una época pasada.
El mayor problema es que un homenaje fílmico a otra obra cinematográfica es casi por definición inferior al material referenciado. Salvo un talento desmesurado del tipo tras la cámara (Tarantino con un buen día, por ejemplo), la mayoría de estas películas (ya tomen como referencia los 80, los 70 o, dios no lo quiera, los 90), se quedan en una simple anecdotilla que a lo máximo que aspira es a despertarnos la simpatía nostálgica, como sucede con Paul.
Por supuesto, hay honrosas excepciones, sirvan la infravalorada Monster House o Donnie Darko como ejemplo.

Super 8 se ambienta a finales de los años 70 y narra la historia de un grupo de niños que quiere hacer una película y termina encontrándose con una amenaza extraterrestre.
Así pues, tenemos el mal referencial de los 80, el mal metareferencial de cine dentro de cine y el mal tras la cámara que es J.J. Abrams,

J.J., bien sea por suerte, bien por talento, ha sabido venderse y posicionarse en el punto de vista del público. Atrás ha dejado los días en que escribía Felicity, Nunca juegues con extraños o Armaggedon, para ser el tipo de Perdidos (de la que, por cierto, se desvinculó al poco tiempo) y la nueva esperanza de la humanidad.
Pero, personalmente, a día de hoy sigo pendiente de ver algo en su trabajo que me llame la atención. Ciertamente no es lo que podríamos decir un mal director, no atenta contra nuestra dignidad como personas (lo que podría decirse de algún otro que anda suelto por la meca del cine), pero en él todo es monotonía y amateurismo y Super 8 es un nuevo ejemplo en esta línea, salvado levemente por esa nostalgia ochentera.

Un pueblo pequeño, un grupo de niños, una cámara de super 8, alienígenas… la película es una mezcla entre Tiburón, Los Goonies, Gremlins, Encuentros en la tercera fase… Y prácticamente ahí están todas sus virtudes, en ese copia-pega de productos de indudable calidad que hacen media película.
De la otra media, ya se encarga J.J., con su guión y su dirección. Por partes:

Como guionista, a lo largo de su carrera parece haber confundido personalidad con esa manía de teenegizar todo lo que toca, Misión Imposible 3 y Star Trek inclusive. En Super 8 sigue la pauta, aunque esta vez con niños. Poco importa; asentándose sobre los tópicos de los 80, vuelve a darnos las mismas relaciones personales y conflictos de manual, que no despiertan ni odio ni admiración, sino simple monotonía.
Por si esto fuera poco, estos estereotipos andantes pululan por un mundo hiperbolizado al más puro estilo del cine de acción de los últimos años: en Super 8, los trenes no solo descarrilan; descarrilan, se llevan por delante cientos de materiales frágiles, explotan y saltan por los aires.

Como director, deja atrás el estilo televisivo e impersonal de MI3 para continuar, desgraciadamente, con la tónica visual establecida por Star Trek.
El mayor problema de J.J. es que, como la mayor parte de directores actuales, no sabe muy bien qué hacer con la cámara, más allá de dejar los planos y el montaje en modo automático y confiar en su director de fotografía y su músico (que, por cierto, hacen un gran trabajo).
En Star Trek, pareció dar con una solución doble a este problema: llegaron los lens flares (destellos que producen las luces artificiales) y los movimientos espectaculares. Ninguno de los dos es malo por sí mismo. El problema viene cuando uno no sabe usarlo. Y J.J. no sabe qué demontres hacer con ellos. Confía ciegamente en ambos y los usa sin ningún sentido narrativo hasta la completa extenuación, como quién repite un mal chiste con la esperanza de que a la vigésima vez sea hilarante.

El resultado final no es una mala película, no es una película insoportable, sino, simplemente, una mediocridad que se ve y se olvida sin dejar ningún rastro en la memoria más que algún detalle concreto. No divierte ni entretiene, simplemente… pasan cosas.

La linea roja es unilateral

2011-06-17T19:27:00.000+02:00

Todos los días leo el periódico y todos los días me desmorono moral y espiritualmente. Últimamente cada lectura que hago de las noticias destacadas me enerva cada vez más. Y ahora llegan las declaraciones de Artur Mas, tras los escupitajos y zarandeos a varios políticos a las puertas del parlamento catalán, diciendo que los indignados han cruzado la línea roja y que sus acciones son antidemocráticas.
A su crítica se han unido entonces todos esos partidos y medios que hace justo tres semanas hacían oídos sordos a la carga de la policía que hizo más que escupir y zarandear a un montón de manifestantes pacíficos en Barcelona.
Porque no es lo mismo que lo hagan los políticos, que que lo haga el pueblo, porque los políticos están legitimados por el pueblo. Eso dicen. No sé, es algo confuso.

Entre todos estos defensores de la voluntad de la mayoría y el respeto de los representantes legítimos los hay que defienden la democracia de quita y pon, esa que se hace cada 4 años y que nos sirve para salir al paso y mostrarnos como una de esas naciones occidentales progresistas democráticas, mientras miramos con superioridad a los países con dictaduras.
Olvidan que en el momento en que la política se convierte en una carrera, el concepto de democracia salta por la ventana. La política es una profesión por definición altruista. Los políticos son los que soportan el país, los que tienen que llevarlo a buen puerto y los que tienen que someterse a los designios del pueblo que quiere vivir en democracia.
Cuando eso muta en algo tan ególatra y materialista como es una competición, ese sentido del “bien común” se pierde y solo importa ganar, bien sea el gobierno de la nación o los fondos malversados de una comunidad. Lo que importa es llegar, coger lo que quieras y estar allí tanto tiempo como puedas. Lo que importa es evitar hacer grandes cambios de base que puedan mejorar el sistema, porque un sistema mejor es un sistema que no te permitiría llegar al poder.

Y los hay que engañan a los ciudadanos (no se autoengañan, ellos son lo suficientemente listos para saber las tonterías que dicen) hablando del poder de exculpación de las urnas, de que aquel que sale elegido está libre de todo pecado y puede lanzar la primera, la segunda y hasta la quincuagésima piedra. El candidato ganador es una especie de visionario absoluto que se rebaja a nuestra altura para salvar nuestras almas. A menos que sea nacionalista vasco, claro.
Y así es como, un cargo público, hecho para servir al pueblo y sometido a su voluntad, se convierte en un individuo lleno de orgullo y sentimiento de autoimportancia, que cree que su vida es superior a la de cualquiera de aquellos que supuestamente representa. El gobierno puede hostiar al pueblo, pero el pueblo no puede hostiar al gobierno, eso sería antidemocrático.

Hay una cosa cierta, y es que en las últimas elecciones fueron más los votantes que eligieron a alguno de los dos partidos mayoritarios, que los que votaron a otras opciones o creyeron que sería la mar de gracioso meter un chorizo en el sobre como forma de protesta (el vocal segundo les agradece el sándwich de embutidos que se cenó aquella noche, pero todavía no tiene claro cómo han contribuido ustedes a cambiar el sistema).
Si el pueblo elije y elije algo que a ti no te gusta, pues toca apechugar. Pero no olvidemos que Hitler fue elegido democráticamente. Una democracia es más que hacer lo que los votantes dicen, una democracia es salvar al pueblo del propio pueblo (y eso incluye a los políticos).
Hay ciertos principios globales e inalienables, que son por los que claman muchos de los llamados indignados, y que deben ir de fábrica en una democracia, porque son, precisamente, lo que constituyen un sistema democrático.
La transparencia política, la honestidad, la justicia, la independencia de los poderes, la dignidad de la clase política, el respeto a los ciudadanos, la gestión eficiente… no se elijen en las urnas de una democracia.

Si estos principios se van a ignorar en favor del bienestar absoluto del político de turno; si las voces que reclaman estos principios se van a acallar con trucos y violencia; si en los gobiernos reina la corrupción, el descontrol, el egoísmo y la estupidez… podemos ir buscando un nuevo nombre para el sistema, porque ya no será una democracia.

La magia de la informática

2011-03-12T21:34:00.000+01:00

A estas alturas de la película, nadie cree en la magia ni en la fantasía. Sin embargo, todos parecemos inclinarnos a pensar en ello cuando hablamos del futuro, de lo que ha venido en llamarse las nuevas tecnologías.
Algo muy curioso sucede con la informática y todo lo que engloba en esta sociedad actual, y es, por no andarnos con rodeos, la vagancia y la chapuza.

La informática todavía no está asentada lo suficiente como para considerarla con la importancia que en realidad tiene en todos los aspectos (cultural, tecnológico, social ). Baste para probarlo la reticencia de algunos sistemas educativos a su incorporación. Recientemente leí a un profesor de Estados Unidos que introducir la informática en el aula sería como haber introducido el rock en los 60. Al margen de que el rock forma parte de la cultura musical y su introducción en las escuelas no tendría por que ser un sacrilegio (si no fuera porque muchos sistemas educativos parecen anclados en la enseñanza que se repite desde hace 50 años, sin molestarse en contemplar cambios y sin impulsar una visión de la materia como algo vivo y cambiante y no como meros datos a estudiar como borregos), contemplar así la informática es cuanto menos, cuestionable.

El mundo se divide así entre aquellos que aceptan la informática como parte de sus vidas (los más jóvenes, por su facilidad de aprendizaje) y aquellos que la rechazan o la toman porque no hay más cojones (los más adultos). Podría haber un problema, pues, cuando son los segundos (supuestamente, los sabios y los que gobiernan el mundo) los que tienen la responsabilidad de educar a los primeros en esto de los ordenadores.
Y cuando no se conoce la informática (lo cual muchos quieren hacer ver como un rasgo personalidad, cuando no es más que pura y dura ignorancia), oímos al presidente de los Estados Unidos decir que no tiene un Ipod (después de basar parte de su campaña en él) y que las nuevas tecnologías distraen a los jóvenes de su deber.

Y sí, pero no. Porque la informática está aquí para quedarse, y es nuestro deber verla como la herramienta que es. La informática, los ordenadores, los ipods, abren las puertas al mundo y a la información de forma jamás vista; y contemplarla como un enemigo es arcaico y atrasado. En otras palabras, si la sobredosis de información de las nuevas tecnologías es perjudicial para nuestros jóvenes, la solución es educarles en las susodichas ellas; no taparse los ojos y “si no lo veo, no existe”.

Algunas formas de enseñanza basadas en la memorización automática de datos ya eran anticuadas hace años y contrastan ahora brutalmente con el dinamismo web y la posibilidad de adquirir todos esos conocimientos al propio ritmo y por el propio interés y de permitir el desarrollo intelectual… Por supuesto, el remedio tampoco es que cada alumno se encierre en su casa con su ordenador y se aísle del mundo, pero la negación de la informática echa por la borda el potencial de los jóvenes y lo convierte en el mismo desconocimiento de los mayores.

Y esto nos lleva al momento en que estamos, a la informática en las organizaciones. La aceptación de los ordenadores ha sido obviamente inevitable por la comodidad que presenta y la posibilidad de aprovechar herramientas como el correo, el paquete Office… Pero el mundo de la informática es mucho más grande y quedarse en Word (muchas veces, sin ni siquiera molestarse en usar la barra de herramientas) es como contemplar con admiración un canto rodado a los pies del K2.
Las empresas se resisten a aprovechar todo el dinamismo que la informática puede proporcionarnos. Pero no lo hacen conscientemente, sino por algo tan intrínseco al ser humano como la comodidad, el miedo a lo nuevo y la naftalina.
Porque somos una sociedad que sobrevive a base de parches constantes, que se pone la zancadilla, que busca el bien personal muy por encima del bien común, que se resiste al cambio. Y a esto, amigos, no se le llama capitalismo, se le llama egoísmo, narcisismo o directamente estupidez congénita. Porque nuestra propia comodidad o éxito material (más que personal y espiritual), nos lleva a impedir avanzar a otros, a dejar las cosas como están, a no innovar... Qué mejor ejemplo hay de esto que la política o la justicia.

Y la informática no escapa de esto, porque a la hemos puesto, organizativamente hablando, al servicio de algo tan terrible como la burocracia. Las 8.000 autorizaciones, los 20.000 certificados, los 56.000 permisos no han desaparecido con la llegada de Internet. Lo único que ha cambiado es que si antes te los daban en papel, ahora te los dan en un archivo Word. Pero el problema congénito sigue ahí: la incompatibilidad de formatos y la complejidad del proceso.
Porque ahora un ciudadano puede tener todos sus datos en un USB. Porque eso podría bastar para cursos, empleos, tramites judiciales… Porque la justicia podría agilizarse y reducir su malgasto de material físico (usease, folios y folios que se traspapelan y retrasan todo). Porque, en resumen, la informática nos da la ansiada objetividad, agilidad y seguridad que hemos buscado con tantos procesos costosos y aburridos como raza humana.

Pero como los procesos fueron implantados por gente ya muerta (y se ve que eso siempre da respeto) y siempre se han usado (con lo cual, se supone que funcionan), pues la ventana que nos brinda la informática quedará cerrada hasta que alguien, rodeado de gente que dice que 2+2=4, diga 23,4+23,5=46,9; que es igual de lógico pero parece como que cuesta más.

Y hasta que eso pase, hasta que el cambio comience, el conocimiento de la informática quedará en manos de unos pocos, mientras el resto se consagra a gurús informáticos que venden ineficiencia tecnológica.
Y no solo mirarán con admiración ese canto rodado sino que comenzarán a construirle templos. Pero no pasa nada, porque todos miraremos al mismo sitio y solo dos personas conocerán el monte que hay detrás.
Y si solo hay dos sabios en el mundo, la balanza se invierte y ellos son los tontos y nosotros, los listos.

Realidad y ficción

2011-03-10T14:48:00.001+01:00

Si es un crimen, también debería ser un crimen en una película.Y así es como, embutidos en una aureola de progresismo y preservación de la justicia, se carga contra la ficción. Y aunque todos conociéramos esta forma de pensar, nos pilló muy de improviso la denuncia contra Ángel Sala por mostrar una película en la que hay escenas (obviamente, falsas) sexuales con niños menores. No nos sorprendieron los titulares de los medios que decían “Porno infantil en el festival de Sitges” que tiran por la borda la objetividad periodística para sustituirla por ese morbo y ese sensacionalismo que se han apoderado de la profesión de forma alarmante.

Obviamente, si la denuncia ha llegado hasta este punto, será porque cuenta con cierta base legal. Por lo que creo entender, la ley penaliza la utilización de menores así como su imagen distorsionada, lo cual podría encajar (aunque dudo que fuera el objetivo de la ley cuando se redacto) en la película, en la que, según dicen, el protagonista tiene sexo con un muñeco de plástico que simula ser un bebe. Puede ser que así sea.

Pero me pregunto si esta indistinción entre realidad y ficción será lógica o buena en algún sentido. Porque esto parece formar parte del mismo mal que achaca a la sociedad en años recientes, en que películas, comics y videojuegos son directos responsables de la maldad del mundo (porque se ve que las épocas anteriores eran enormemente felices) y así se evitan otras cuestiones más importantes.

Sin extenderme demasiado, pues, por ser este un ámbito que no domino, me parece cuanto menos curioso que se proponga que el crimen no sea solo el abuso de los menores (en cualquier sentido), sino también el retrato ficcionado del mismo, lo que nos lleva no solo a crear tabúes sino, en última instancia, a la censura.

Oscars 2011

2011-02-27T00:00:00.001+01:00

Bueno, como el año pasado (que, dicho sea lo cual, no fue muy pródigo en buen cine) dejé este blog medio abandonado, y este año pretendo medio recuperarlo, aquí va un breve comentario de las películas nominadas a los Oscar que se celebran hoy, en orden de preferencia.

La red social
Cuando David Fincher hizo El curioso caso de Benjamín Button, un aburrido, pretencioso y manido drama con elementos históricos, de esos que gustan a todos los académicos del mundo, consiguió hacerse visible en los Oscar. Si Seven, El club de la lucha o Zodiac se estrenaran ahora, sin duda tendrían más relevancia en estos premios de la que tuvieron en su día (menospreciados por ser “simples” thrillers).
Hablando concretamente de La red social, el guión de Aaron Sorkin retrata un hecho real de la forma más interesante posible. Y es que es difícil no caer en el tópico, y aunque La red social lo haga, es rescatada por el mismo Fincher.
Su dirección no solo tiene un gran poderío visual (los créditos iniciales con los exteriores de Harvard), sino que cuida todos los elementos de la película con esmero:
La maravillosa fotografía de Jeff Cronenweth que contribuye a dar el tono a cada escena.
La música de Trent Reznor y Atticus Ross está muy lejos de ser brillante por si sola, pero sirve un indudable propósito en la película y lo cumple (ahora, si esta es una de las mejores bandas sonoras del año, que Dios nos asista).
Los actores están todos magníficos. No solo por Jesse Eisenberg (merecidamente nominado), sino por Andrew Garfield, Max Minghella, Armie Hammer (en la tarea de encarnar a gemelos, ahí es nada) y Justin Timberlake (que, así como el que no quiere la cosa, se ha convertido en un actor la mar de competente).
El resultado final es una película con un ritmo trepidante (sus más de dos horas pasan en un suspiro), una magnifica recreación del ambiente universitario y un plantel de personajes imbéciles que, sorpresa, no se cargan la película,

Toy Story 3
Después de una segunda parte decepcionante, que más que llevar la historia a otro nivel buscaba repetir lo mismo otra vez, Toy Store 3 hace evolucionar la historia a la madurez y la lleva con elegancia y emotividad, tomando como idea el abandono de los juguetes.
Su presencia en la categoría de mejor película resulta desconcertante y deja en evidencia una de los cambios más cuestionable de la academia en los últimos años: la categoría de mejor película de animación.
Cuando ya quedó claro que este premio no valoraba la animación sino la película como conjunto (razón por la que Final Fantasy, un enorme logro de animación y un bluf de argumento, se quedó fuera), la propia categoría se invalido, al ser una declaración de la academia de que una película de animación es, endémicamente, peor que una película de imagen real. La entrada de Toy Store 3 en la categoría de mejor película (además de película animada) termina de confirmar esta posición.

Cómo entrenar a tu dragón
Enternecedora regresión a la infancia, doblemente impresionante por venir de Dreamworks, el estudio cuya película más digna hasta la fecha trataba de un panda dándose hostias. Los responsables de Lilo & Stitch dan una aventura de las de toda la vida, divertida, emotiva y muy bien hecha.
Nominada a mejor película de animación pero no a mejor película en general, marca la primera nominación del compositor John Powell, tipo simpático pero no especialmente brillante.

127 horas
Danny Boyle no solo es un pintor de brocha gorda, sino que es bueno siéndolo.
En Slumdog Millionaire ya consiguió sumirnos en medio de la India con una banda sonora machacona (Rahman repite su labor en 127 horas), una fotografía contrastada, unos movimientos de cámara delirantes y, en general, mucho ruido. Curiosamente, lo consiguió.
En 127 horas repite la jugada y vuelve a salir airoso, superando incluso las escenas más escabrosas y dando un guión acertado, que no se limita a la hora de entrar y salir de la situación, pero que tampoco depende de los flashbacks y visiones (estos se administran brevemente y sirven como pinceladas del pasado del propio protagonista más que como escenas interminables).
Al igual que Fincher, después de Slumdog Millionaire, Boyle va a aparecer un tipo de obligada presencia en las galas (como le suece de a Rahman), si bien es cierto que el giro reciente que ha dado su carrera ha conseguido separarle de su tono anterior, más irregular (en el que alteraba películas interesantes como 28 días después con catástrofes de la naturaleza como Sunshine).
Y, por supuesto, de obligada mención es James Franco, que carga con el peso de la película y lo hace estupendamente (aunque, nuevamente, podría haber hecho algo mediocre, que es probable que el propio papel le hubiera conseguido la nominación).

El ilusionista
Silvain Chomet, director de Bienvenidos a Belleville nos da su segunda película, también de animación y buscando algo diferente a lo habitual. Tomando como punto de partida una historia de Jacques Tati, el director francés hace una película de animación muda tierna pero muy agridulce, no para todos los gustos.
Nuevamente, nominada a mejor película de animación cuando se superior a otras presentes en otras categorías.

Origen
La confirmación de la academia de que escucha al público y comparte con él su admiración por Christopher Nolan.
Y no tendría sentido no reconocer que Origen es una película condenadamente entretenida, con una banda sonora efectiva (aunque de nominación cuestionable), con una buena fotografía y una premisa argumental muy elaborada.
El problema es que el desarrollo del guión la convierte en una película con más similitudes con una de Bond que con 2001 (como muchos quieren pensar), porque Origen es una película con una buena idea, pero con unos diálogos de traca y una insistencia casi insultante. En otras palabras, si alguien no entiende esta película o busca locas teorías a su (muy cachondo) corte final, quizás debería masticar las palomitas con más silencio.

Valor de ley
Los Coen readaptan el libro clásico y, para sorpresa de todos, deciden hacer un western clásico, de esos de toda la vida.
Alejándose del planteamiento de su brillante No es país para viejos (cuyo estilo narrativo habría resultado muy interesante), los directores deciden seguir todos los convencionalismos del género, con la ayuda del siempre magnífico director de fotografía Roger Deakins,, el limitado compositor Carter Burwell (que trata de hacer un homenaje y se cae con todo el equipo) y un correcto reparto (incluyendo a un Jeff Bridges con un cartel colgado que dice “Quiero una nominación”).
Se ha dicho mucho: Valor de ley es una película pequeña en la filmografía de los Coen y como tal resulta tan entretenida como olvidable y algo fuera de lugar en unos premios a lo mejor del año.

Cisne negro
Próximamente, en El chispeante blog del tipo llamado Bob.

Secuestrados

2011-02-24T18:52:00.003+01:00

(2011)

El cine español ha empezado este 2011 con fuerza. A la estupenda comedia Pagafantas se une la exitosa Primos y Secuestrados, de la que es mejor no poner el trailer para no dar a confusión. Igualmente, tampoco se dejen guiar por su (horrible) poster.
Y es que, en apariencia, la película de Miguel Ángel Vivas es otra vez lo que ya hemos visto: la historia de una familia que vive en un chalet de Madrid en el que irrumpe una banda de centroeuropeos con propósitos oscuros.
Así, a simple vista, parece una nueva versión de La habitación del pánico o Firewall, valiéndose quizás de cierto morbo, aprovechando la proliferación de atracos en los alrededores de la capital. Y sí, pero no.

Porque Secuestrados es una adaptación del género, tan poco pródigo en el cine patrio (en el que también destacaría la genial Angustia, de Bigas Luna), con un guión, escrito por el propio Vivas junto a Javier García, que intenta aportar algo y diferenciarse con una aproximación realista (aquí son los secuestradores los que se las hacen pasar canutas a los protagonistas, y no al revés) y sin concesiones de ningún tipo (lo peor que puede pasarle a esta familia no es que les den un par de tortas) que consigue que sintonicemos con los personajes. Y eso ya es algo.

Esto de por si valdría para hacer una película digna y con puntos interesantes, pero lo que convierte a la convierte en algo más es, sorpresa, su dirección.
Es raro que la figura del director en una película española cobre una importancia tan grande como para sacar a flote un guión (más allá de la excelencia técnica), y más aun que demuestre tal afinidad con directores como Hitchcock: Secuestrados está rodada íntegramente con planos secuencia, no solo con exhibicionismo (que también), sino con un grandioso sentido narrativo.

Vivas utiliza estos planos con la misma idea que tuvo el maestro del suspense en La soga, pero en este caso usa la historia para limitar los planos y no a la inversa. La película se desarrolla prácticamente en una noche (tras dos escenas iniciales) y en dos localizaciones (una casa y un coche), llevando los planos secuencia tan lejos como le permita el guión, cuando no más (haciendo un magnífico uso de la pantalla partida).

Es esta planificación lo que diferencia a Secuestrados de otras películas similares.
En primer lugar, le da una enorme carga de realismo (a lo que también contribuye su poca música), pero también sirve para marcar el ritmo a través de las actuaciones y la dirección de actores en vez del montaje. En otras palabras, la película no tiene medio de pasarse un minuto enfocando a tres personas sentadas viendo la televisión. Y si lo hace, es porque, efectivamente, hacerlo es una buena idea: la tensión se acumula con las pausas y la agitación se crea con el propio movimiento de la cámara.

En segundo lugar, contemplar una planificación tan brillante es una auténtica gozada.
Lejos de ser anárquica, Secuestrados es una película cuidada, con planos que no por ser continuados y estar limitados por el espacio físico dejan de brindarnos imágenes perturbadoras y que se mueven con enorme fluidez. La cámara y el equipo transitan por los pasillos estrechos de la casa, suben y bajan las escaleras, entran y salen del coche, corren con los protagonistas… Y lo hacen de verdad, como si fueran otro personaje de la película, sin caer en movimientos forzados o confusos (como si pasa en muchas películas con cámara al hombro).
En último lugar, pero no menos importante, los actores. Sometidos a la prueba de fuego de memorizar sus papeles y recitarlos convincentemente en escenas de acción física, a la vez que esquivan al equipo de rodaje en estrechos espacios, absolutamente todos los actores superan la prueba holgadamente. Como todos los implicados en la película.

Secuestrados lleva la dirección a un nivel de espectáculo y sentido narrativo pocas veces visto en nuestro cine. Un guión común al servicio de una puesta en escena única.

Propiedades dietéticas y estimulantes del SPAAAAM

2011-02-20T18:22:00.002+01:00

Hay muchos seguidores habituales del blog (hola, mama) que se preguntaban dónde estaba y a qué venía la última entrada.
La segunda pregunta quedará siempre sin respuesta.
La primera, se responde con un poco de spam de ese, con un enlace a otro blog y a un podcast, porque yo lo valgo:
Mostrencos entrenados
Normas de equivocacion

Tenía pensado recuperar este blog en algún momento, de modo que tampoco lo den por perdido.

Clasificar lo indefinible. Definir lo inclasificable

2011-01-27T16:14:00.000+01:00

La mente humana tiene una capacidad asombrosa para ordenar el caos, para buscar la pauta en el azar.En el coche, vemos a las personas caminar siguiendo el ritmo de la canción que tenemos puesta.Cuando ponemos un audio sobre unas imágenes que no se corresponde, tarde o temprano acabarán sincronizándose.Pensar que no hay un orden detrás de las cosas significa pensar en un enorme sinsentido universal, como quien repite una y otra vez una palabra hasta que se pregunta qué diablos significa.

El orden subjetivamente cósmico es inherente a nuestra existencia y llega hasta tal punto, que incluso hay espacio para el caos. Entre la gente buena, la gente mala, la gente divertida, la gente seria, la gente aburrida, la gent… está la gente indefinible, adjetivo que define perfectamente.
Y por supuesto que es lógico y normal clasificar a la gente. Pero el problema nace cuando la persona sigue a la clasificación, en lugar de a la inversa. Cuando una persona no es inclasificable por lo que hace, sino que hace lo que hace para ser inclasificable.Grupos que nos sirven para ordenar la realidad de forma subjetiva, acentúan sus fronteras y se conviertan en divisores radicales basados en meros tecnicismos.

Y si al principio era lo que defendíamos lo que nos situaba en un grupo, al final es un grupo lo que marca qué defendemos, como forma de cerrarnos, de desdeñar opciones que no son extrañas porque son de otro grupo que, para más inri, rara vez puede ser visto como complementario tanto como contrario.

Perdemos nuestra personalidad sumergidos en una masa que conforma un concepto etéreo que creamos para servirnos y que ahora nos esclaviza en pos de ese orden al que tan naturalmente tendemos. Nuestras afinidades nos agrupan, nuestra agrupación nos clasifica, nuestra clasificación nos indefine, y nuestra indefinición nos ayuda a ver el mundo en dos. Los buenos y los malos.

Este es un mundo de librepensadores en el que no debe haber limitaciones ni reglas. Esa es la primera regla. Tenemos 99 más.

La enésima opinión sobre la descarga de películas

2011-01-25T19:59:00.002+01:00

Uno de los mayores problemas que existen en los debates actuales, públicos o privados, es la dicotomización, la reducción a lo absurdo de todas las variables para poder hacer un simplón enfrentamiento entre dos posturas. Si no estás conmigo al 100%, estás contra mí al 200%.
Y, por supuesto, la piratería, la descarga de películas, el compartir elementos audiovisuales, cómo ustedes quieran llamarlo… Tampoco se libra, más aun cuando está maximizado por la exageración y radicalización que parece prodigarse tanto por la red. Porque el que no grita no se hace oír y porque nadie dice “quizás” cuando puede decir “¡SIEMPRE!” o “¡NUNCA!”, por mucho que la primera opción pueda resultar más sabia (no más cobarde).
Y entre tanto caos, hay quien dicen tener la solución definitiva, cuando muchas veces ni siquiera entiende el problema en toda su extensión, porque sólo se ve como una cuestión de “sí” y “no”, y de arremeter contra aquellos que tienen una posición distinta, por mucho que intenten justificarla.

Hace unos años, los sábados por la tarde era el momento de quedar con amigos para ir al cine más cercano y ver una película, muchas veces fuera la que fuera. Ahora, los sábados por la tarde es el momento de quedar con amigos para ir a casa de uno a ver un screener, que no tiene ya que ver con la piratería, sino con el buen gusto. Porque ver una película grabada con cámara casera en un cine no tiene nombre.
Personalmente, lo primero es algo que echo de menos muchas veces, pero también estamos hablando de una época en la que el cine costaba 3 de los euros de ahora, y no 8.
De pronto surgió internet, y ahora ya se podía ver película gratis. Y todo tiene sus cosas buenas y sus cosas malas, pero es impepinable que mucha gente dejó de pagar por lo que ya tenía gratis en casa. No es de extrañar, teniendo en cuenta canones varios, y precios exorbitantes. Un dato: la edición española de Avatar cuesta casi el doble que la edición inglesa y en el susodicho país pueden encontrarse multitud de películas por menos de la mitad de lo que cuestan aquí… y no es que España duplique el nivel de vida de Inglaterra.

Está claro que no es ilegal bajarse una película, o las compañías telefónicas no utilizarían absurdas triquiñuelas de avisar y bajar la velocidad del ADSL. Porque si algo es claramente ilegal, se corta de raíz y se evitan canones absurdos que nos presuponen a todos como copiadores de material, como si todos las personas con carnet de conducir tuvieran que pagar por presuponérselas infractoras del código vial.

Pero por otro lado es cierto que mucha gente va a lo gratis, si puede tenerlo. Se clama libertad de expresión y cultura libre porque son las películas lo que está en Megaupload. Si fueran los tomates o las patatas, se demandaría la horticultura gratis, cuando en realidad, ninguna propuesta es sostenible.
Hace unos días, Francis Ford Coppola decía en una clase magistral que con el tiempo el cine debería hacerse no por dinero, sino por amor al arte. Queda bonito y moderno, no me cabe duda. Pero el cine no es sólo un arte, es un negocio por pura necesidad. Porque una película tarda años en hacerse, porque cuenta con gente que dedica meses completos de su vida a hacerla, porque necesita recursos físicos, porque necesita material… Y la cultura gratis significa hacer todo eso sin cobrar un duro, por puro amor al arte. Y si no cobras un duro, tienes que buscarte otro trabajo. Y si te buscas otro trabajo, no tendrás tiempo para hacer cine. Y serán mucho los que se den por vencidos. ¿Cine gratis? Estupendo, si lo que quieren es que salgan dos películas al año. Y créanme cuando les digo que no serían precisamente Transformers 2 y Avatar.

Pero bueno, ya se paga, se paga con el canon, con los precios exagerados… Descargarse películas es una forma de revelarse ante los precios de los intermediaros y gestores. En teoría, se sostiene. Según el mismo razonamiento, tampoco deberíamos pagar por las playeras, pantalones, camisetas… Pero no es lo mismo bajarse algo fácilmente de la red que pasar algo oculto en el abrigo a través del detector de la puerta.
Claro que jode pagar un canon, más aun cuando sabes que el productor de la película japonesa no editada en España que acabas de grabar en DVD no verá ni un céntimo de ese canon que, por pura teoría, debería corresponderle. ¿Pero la forma de combatir el canon es bajarse películas de gente que, precisamente, no tiene relación con ese canon, es decir, mercados internacionales?

Ahora, ¿es ético, moral, llámenlo-como-quieran? Ese es otro tema, a juicio personal de cada uno. Personalmente, creo en el reconocimiento de un trabajo bien hecho. Y el cumplido a través de Twitter no acaba de ser un reconocimiento, porque el cine funciona a través de lo que funcionan todos los negocios, oferta y demanda, retorno de la inversión. Y si me gusta una película, prefiero pagar por ella, prefiero reconocerlo de alguna forma.

Pero bien es cierto que la descarga de películas no es completamente negativa, los hay que han podido descubrir el cine gracias a ellas, que han podido hacerse con clásicos imposibles de encontrar, con películas que sólo pululan por la red y que pueden morir con una limitación de esta. Y, nuevamente, no me refiero a Transformers 2 ni Avatar.

The Peckinpah/Welles Connection

2010-10-24T16:26:00.000+02:00

En su libro, Peckinpah, A portrait in Montage, Garner Simmons transcribe una anécdota del propio cineasta sobre su regreso de la segunda guerra mundial:
En 1945, Sam Peckinpah volvía de oriente y llegaba a Los Angeles. En el bar del aeropuerto, aun con el uniforme militar, el director se encontró de pronto con alguien que le llamó la atención. Se giró, todavía algo alerta, y vio a Orson Welles. Había dirigido Ciudadano Kane hace cuatro años, El cuarto mandamiento hace tres, y el legendario artista polifacético quería invitar a una copa a un soldado recién llegado de la guerra. Así lo hizo y Peckinpah le recompensó con la misma cortesía.
Aquel joven soldado no tenía aun interés alguno por el mundo del cine, éste apenas sí nacería unos pocos años después, que le llevaron a 1965, dos décadas después de su encuentro con Welles, cuando se puso tras la cámara para dirigir a Charlton Heston en Mayor Dundee. No sería esta la única similitud con sed de mal, de Orson Welles, también con Heston. Ambas películas, como ambos directores, estarían marcadas por los problemas de producción, los cortes, los montajes, los remontajes, la leyenda que se crecía poco a poco con los años…Y mientras Peckinpah luchaba por sacar adelante un film incuestionablemente personal, Welles andaba por tierras ibérica, narrando su particular amalgama shakespeariano, Campanadas a medianoche.

Apenas 12 años después, la fama de Peckinpah, que tan de sorpresa parecía haberle llegado con la revolucionaria Grupo salvaje, estaba prácticamente difuminada. Tras esa milagrosa racha en que consiguió expresar lo que deseaba con Perros de paja, Pat Garret, Alfredo Garcia…Su escaso tirón comercial le había situado en su faceta más comercial y automática con Los aristócratas del crimen. Estamos en 1975, dos años después de que Welles diera la que quizás fuera su última genialidad completa, Fraude. El inclasificable director había encontrado, igual que Peckinpah, una forma de salir adelante. Mientras el segundo se vendía a productos comerciales como director, el primero prestaba su figura y su voz a subproductos que jamás podrían soñar con alcanzar su genialidad.

Estamos en 1977, y mientras Welles seguía afanado en pequeño roles, Peckinpah había puesto sus manos sobre el guión de Los cruz de hierro. No produciría la película, no la escribiría, sólo la dirigiría. Aun así, ésta parecía, si hecha para alguien, para él. Pero no era un western crepuscular, era una historia sobre la Segunda Guerra Mundial, un relato antibelicista que motivó a otro cineasta a escribir una carta a Peckinpah alabando La cruz de hierro como la mejor crítica bélica que había visto. Ese cineasta era Orson Welles.
32 años antes, el propio Peckinpah volvía de la Segunda Guerra Mundial. 32 años antes Orson Welles estaba en el bar de Los Angeles. 32 años antes se invitaron el uno al otro a una copa. Tras unas carreras que podrían parecer tan diferentes como similares, una película les volvió a unir directamente. Y aunque Sam Peckinpah lo sabía, ¿se acordaría siquiera Orson Welles de aquel soldado que vio brevemente hace más de tres décadas?
En aquel bar, uno era un cineasta de prestigio, otro era un joven con todo un futuro por delante. Ambos mostrarían de lo que eran capaces, ambos tendrían problemas para ser ellos mismos en la meca del cine y, ahora, ambos luchaban por, simplemente, sobrevivir.
Había una diferencia de edad de 10 años entre ellos y una diferencia de 20 entre sus primeras películas como directores. Sam Peckinpah murió a finales de 1984. Orson Welles, 10 meses después.

Los mercenarios

2010-08-17T23:18:00.002+02:00

(The Expendables, 2010)

Durante los últimos años, la mención de Sylvester Stallone ha ido seguida de risas varias. La frase de “No siento las piernas”, unida a una carrera decreciente y un aspecto cada vez más demacrado, lo convirtió casi en un chiste.
Atrás quedaban los buenos (sí, buenos) tiempos de Acorralado, Rocky o Máximo Riesgo (película de acción realmente reivindicable). Incluso Demolition Man y Tango & Cash y Juez Drredd tenían su atractivo. Pero desde que intentara dar un giro a su carrera con una dignísima actuación en Copland (a día de hoy, el mejor film de James Mangold), se había vuelto en productos de la calaña de D-Tox. Ojo asesino (el nombre lo dice todo) o Spy Kids 3D.
Pero en 2006, el actor decidió tomar el toro por los cuernos y volver a dirigir por primera vez desde 1985, con Rocky Balboa, a la que siguió en 08 Rambo y ahora Los mercenarios. Un renacimiento marcado, curiosamente, por la nostalgia en todos sus sentidos.

Stallone se vale de una irracional nostalgia más que del talento para atraer al espectador. Y si con Rambo se quedó muy lejos, con Los mercenarios lo consigue sobradamente.
La película respira cine de acción del de hace unos años, por los cuatro costados, con todo lo que ello implica. El general hispano corrupto, el agente de la CIA, los mercenarios hiperestebolizados… Todo ello, adecentado con un reparto brutal.
No solo va por Jason Statham, Jet Li o Mickey Rourke, sino por ver compartir plano a dos iconos del mal cine como son Eric Roberts y Dolph Lundgren (luchando cada uno por ser el peor), o tener en una sola escena a las mentes tras Planet Hollywood, una escena cuyo único motivo es tener a Stallone, Swarchenneger y Willis (demostrándose que se conserva bastante mejor que el resto del reprto) juntos en la misma localización al mismo tiempo. Y esta máquina de tiempo en reparto e historia resulta verdaderamente irresistible para el abajo firmante. Porque yo, por lo menos, me lo pasé como un enano.

Uno no sabe si el amigo Stallone se está marcando una coña, un homenaje, un revival… o si es que sólo sabe hacer esto, pero lo más perturbador es ver que esta película no sólo no tiene nada que envidiar al cine de acción actual, sino que prácticamente se lo come con patatas.
En un año en que hemos visto bodrios de dimensiones tan bestiales como son Legion, Prince of Persia, Furia de titanes, y sabe Dios qué más; la película de Stallone sorprende. Siendo como es su historia un tópico tras tópico y su puesta en escena un algarabía sin planificación alguna (como le pasa muchas veces a Christopher Nolan), se agradece una película que no pretende abotargar al espectador con acción constante, efectos visuales por doquier y el más imposible todavía a cada segundo que pasa.

Los mercenarios sabe dosificar. Dosifica la violencia (que, cuando sale, es brutal), dosifica la acción… Y si para hacerlo tiene que meter alguna escena de supuesta introspección dramática, bienvenida sea. Porque no sé ustedes, pero yo por lo menos estoy hasta los mismísimos de la concatenación de escenas de acción durante dos horas, sin que el protagonista pueda siquiera cagar.

Viendo cada día películas que piensan que lo mejor es dar al espectador explosión tras explosión y ensordecerle con la banda sonora menos elaborada posible, encontrarme con una película de acción que sabe administrar sus puntos fuertes, que confía en los efectos físicos y que, en general, puede clasificarse como correcta, es una alegría.
Y si ya encima tiene ese tono pseudonostálgico… Qué quieren que les diga, iré a ver la secuela… Especialmente si pueden colar a Steven Seagal, Chuck Norris, Jean Claude Van Damne o Mark Dacascos.

Peligrosos delirios con fiebre y erudición a altas horas de la madrugada presenta: Nacho Vigalondo

2010-07-02T20:53:00.003+02:00

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Alguna vez hemos hablado de Nacho Vigalondo, famoso casi más al otro lado del charco (donde incluso el creador de Perdidos alabó su opera prima, Los cronocrímenes, y donde recibió una nominación al Oscar por su corto 7:35 de la mañana), y ante la ausencia de un mejor tema para comentar en El blog mortal, parece adecuado delirar un poco, con aires de sapiencia y erudición (completamente falsos, por supuesto), para comentar, tan pedantemente como sea posible, elementos que quizás estén o quizás no estén en la filmografía del cántabro, pero que es muy probable que sea más lo segundo que lo primero.

Con nada más que un largometraje a sus espaldas, Nacho Vigalondo ha ido, a lo largo de su carrera como cortometrajista y de trabajos para programas como Muchachada Nui y festivales como Notodofilmfest.com, labrándose una bien merecida fama como uno de los pilares del cine español que está por venir, y lo ha conseguido además apostando por géneros nuevos y diferentes, a medio camino entre el drama y la comedia, e incluso la ciencia ficción, pero siempre desde una perspectiva terrenal y cotidiana, alejada de las grandes ambiciones presupuestarias o técnicas que uno podría achacar, por ejemplo, a ese último género.

Si algo define a Nacho Vigalondo es su capacidad para encontrar ese punto muerto, por muchos pasado por alto, en que la comedia y el drama caminan por una línea tan delgada que es prácticamente imposible, para el que no sepa lo que está viendo, diferenciar entre ambos.

Y lo hace todo, ya se ha dicho, desde la realidad, alejado de las figuras heroicas o antiheroicas, cada día más de moda, para centrarse en una clase de personaje que muchas veces parece olvidado: el tipo normal que, arrastrado a una determinada situación actúa no por bondad o por maldad, sino por puro reflejo visceral, puro impulso.

El protagonista de Los cronocrimenes es un hombre normal con una vida normal enfrentado a sí mismo y viéndose envuelto en trágicas situaciones que, en realidad, es difícil explicar. Como su personaje protagonista de Choque, actúa por instinto, ignorando muchas veces las normas no lógicas, sino cinematográficas.

La otra figura protagonista de la filmografía de Vigalondo es, por decirlo en una sola palabra, el fracasado, la persona que busca más de lo que tiene, que quiere trascender, pero no sabe muy bien como. Lo que oculta la trama científico aventurera de Código 7 no es más que el despertar diario de un hombre en su apartamento, el humorista que quiere triunfar en El monologuista mierder es destruido por su audiencia, el hombre inmolado de 7:35 de la mañana busca con la violencia algo que no puede tener por sí mismo, el hombre que busca a su amada cambiante en Marisa no puede evitar su propio cambio, el joven Marty McFly de Regreso al futuro IV se despierta un día, junto al Elliot de E.T., convertido en uno más… Apenas quiere Vigalondo regalar al espectador un final feliz para estos personajes, entre los que destaca triunfalmente, aunque no por su propia mano, el videoaficionado de Domingo, que ve, casi como para compensar todo lo demás, como sus cuatro horas de espera son satisfechas con un espectáculo único para él, el privilegiado que, por un minuto, ha podido sobreponerse al resto de nosotros.

Vigalondo utiliza estos personajes para adentrarse en un espectáculo que, partiendo de la realidad monótona, camina por momentos en un patetismo ante el que uno nunca sabe bien si debe reír.

La ventana del coche bajando lentamente en Los cronocrímenes y el micrófono pasándose fuera de plano en El monologuista mierder revelan una creación de tensión basada en una realidad cotidiana que, a base de espera, hace reír a aquellos que sepan qué está pasando, o, a veces, desde su propio inicio, si la realidad retratada es tan surrealista como la que propuso en El hombre elefante 2.

La dramatización no tiene cabida en estos momentos en el cine de Nacho Vigalondo, solo la situación estática, mejor aun si puede ser visualizada en plano único (el propio concepto de Domingo y Código 7). Son estos fragmentos, estáticos e intimistas, en el sentido más delirante del término, los que componen su obra, una obra que carece de un humor obviado o una frase capciosa y se basa en la acumulación del delirio.
Por último, Vigalondo nos guarda un as en la manga: la destrucción del personaje. Tomada en su sentido más literal, está la inmolación del cantante protagonista de 7:35, pero en un sentido más metafórico encontramos el Héctor de Los cronocrímenes, el hombre destrozado por una pérdida en Marisa, o, en un nivel ya Lynchiano, el monologuista mierder acosado por extraños fantasmas demoníacos.

Y con este post, quizás ya deje morir El blog mortal... o quizás no.
Risa malvada, bomba de humo y un servidor desaparece.

Perdidos

2010-05-24T19:20:00.005+02:00

Lost

Hará ya 4 años, Randy Meeks y un servidor hablábamos, como tantos otros, de la serie de moda. Y en aquel momento le dije que, francamente, no veía un final satisfactorio a todo el asunto, era imposible que hicieran una conclusión a la altura. Él me contesto que sin duda la conclusión decepcionaría, pero que el viaje hacia ella era lo que de verdad importaba.

Y ahora ha llegado el final. Miramos atrás y recordamos aquella tarde en que TVE1 emitió el primer capítulo y todo lo que ha cambiado desde entonces. Han pasado 5 años, y muchas cosas han cambiado en la ficción de Perdidos y en nuestras vidas. Y una serie siempre tiene ese encanto. Recordar los primeros episodios y revivir una y otra vez los descubrimientos más apasionantes, los momentos más memorables; recordar dónde estábamos cuando los vimos, con quién hablábamos sobre ellos, qué veíamos en el horizonte…
Recuerdo a Sawyer encender un cigarrillo frente a los restos del avión. Recuerdo cuando la cámara bajaba hacia la escotilla y la primera temporada terminaba, recuerdo los gritos que pegué en aquel momento. Recuerdo a Desmond girar la llave, el cielo poniéndose morado y esos dos portugueses jugando al ajedrez. Recuerdo a Locke abriendo la puerta de la cabaña antes de oír un susurro que pedía ayuda. Recuerdo a Jack gritando “Tenemos que volver”.
Y al final resulta que lo que importa de verdad no es la resolución final, la explicación de por qué las cosas son así. Lo que importa de verdad es el viaje.

Cuando Carlton Cuse y Damond Lindelof hablaban largo y tendido de que lo vital en Perdidos no eran los misterios, sino los personajes, todos nos reíamos. Nosotros empezamos por aquel oso polar en una isla tropical, por esa sombra que agitaba los árboles, por aquella isla misteriosa… Pero la verdad es que nos quedamos por saber qué pasaba con John Locke, por ver como el discman de Hugo se quedaba sin pilas, por conocer a Desmond mientras hacía footing en aquel estadio, por verle reunirse con Penny, por estar dentro de la furgoneta cuando Hurley y Charlie la conducían por aquella ladera…
Al final, los personajes sí que importaban y uno se da cuenta de que, siguiéndoles a ellos, seguimos el camino hacia el final; uno se da cuenta de que no hace falta saberlo todo. Porque a veces es mejor dejar las cosas a la imaginación; porque son los personajes los que nos importan; porque, como siempre sucede en la vida, las respuestas no siempre se dan.
Recuerdo a aquel Locke que se había descubierto a sí mismo. Recuerdo a aquel Ben manipulador y cruel que parecía conocerlo todo, a aquel Richard enigmático que aparecía de entre los árboles. Recuerdo al legendario Jacob. Y luego vi que, como en la vida, nada es infalible.
Lost deja misterios abiertos, y en realidad nos hace sentirnos como esos personajes que han pululado por la isla a lo largo de estos años, porque creemos que lo sabemos todo y luego resulta que hay más, porque las cosas no son fáciles y todo cambia en un segundo, porque el que es hombre de respuestas se convierten en un hombre destrozado, porque el que estaba perdido en una isla está ahora perdido en el mundo, porque todo termina a veces en un maloliente motel, en menos de un segundo…
Y después de seguir a todos estos personajes, después de verles perecer, después de verles olvidados, después de que se pierdan todos sus sueños de grandeza, sus visiones para el futuro, su radiante optimismo… Si la muerte es irreversible, si los que se perdieron no volverá más, lo que busco realmente es saber que no todo ha sido en vano, que quizás, al menos, si no podemos vivir juntos y morir solos, sí podamos vivir solos y morir juntos.

Y, al final, la isla es el escenario, es ese elemento enigmático que intriga nuestra mente, que nos deja con preguntas que debemos intentar responder.
Porque, después de reírnos con los tatuajes de Jack, con las desventuras de Kate… después de cinco años, algunas cosas pueden responderse y otras no.
Porque prefiero seguir contemplando ese trozo de tierra en el mar como un atractivo misterio sin solución. Porque así es la vida.
Porque no sabía que no estaba esperando una explicación. No sabía que, en el fondo, lo que estaba esperando era ese avión despegando, era esa última mirada al cielo.
Lo que estaba esperando, era ese ojo que se cierra.

Shutter Island

2010-02-22T00:00:00.001+01:00

(2010)

Quién iba a decir hace unos años, allá por la época de Titanic, que ese joven actor que algunos encontraban tan repulsivo y otros tan atractivo, acabaría convirtiéndose en uno de los actores más interesantes del otro lado del charco (lo cual, las cosas como son, no es demasiado decir), pero así ha sido.
Gracias a papeles como los de la simpatiquísima Atrápame si puedes Leonardo DiCaprio ha ido ganando poco a poco estatus en el negocio y trabando una gran relación con el director Martin Scorsese, junto al que hizo las estupendas Gang of New York e Infiltrados, la convencional El aviador y, ahora, Shutter Island.

Si algo se puede decir de este proyecto es, sin duda, que es atípico para su director y se enmarca en un estilo más de moda, pero no por ello deja de presentar ciertos elementos interesantes.
Y es que ya desde el punto de partida, Shutter Island tiene madera para convertirse en una película de cine negro con tono clásico y, desde luego, tiene un gran equipo detrás para ayudarla a conseguirlo.
No sólo me refiero a un correctísimo reparto, sino también a un prodigioso diseño de producción, una magnifica fotografía de Robert Richardson (nominado por su igualmente brillante trabajo para Inglourious Basterds) y la mano experta de Scorsese.

Analizándola por escenas, Shutter Island es una película por momentos brillante, que sabe hacer uso de sus medios y presenta algunas ideas geniales (el uso de piezas de música clásica), con momentos cargados de misterio (el paseo por el pabellón C) o drama (la escena del lago y su atípico uso del sonido).
En este sentido, Scorsese sabe perfectamente cómo construir una gran ambientación, una atmosfera malsana que, por momentos, va bastante más allá de lo que nos tiene acostumbrados el género estos últimos años. Y, en este sentido, Shutter Island resulta un trabajo visual sin duda interesante.

Pero lo cierto es que la película termina hundiéndose de manera irremediable por culpa de su ritmo y, sobretodo, su historia.
Y es que no sólo la película dura bastante más de lo que debería, haciéndose por momentos repetitiva y algo tediosa (la escena de la cueva), sino que la historia está cargada de trampas que buscan la salida fácil, repetitiva y previsible y que por momentos resultan casi insultantes y sin sentido y terminan lastrándose enormemente la obra.

Al final, Shutter Island es una película que se queda enormemente lejos de lo que pudo ser y echa por tierra cualquier logro que tuviera con uno de los finales más enervantes de los últimos meses.

Invictus

2010-02-12T00:00:00.002+01:00

(2009)

Desde sus inicios en el mundo audiovisual, Clint Eastwood ha pasado de ser un protagonista de series del oeste de segunda a ser un director de renombre, pero siempre ha sido un tipo interesante.
Como actor, las películas en las que ha trabajado han sido, cuanto menos, entretenidas. Como director, sin duda ha demostrado ser una persona con ideas y, en ocasiones, magníficos resultados. Incluso sus peores trabajaos tiene cierto interés.

Cuando en los 90 dejó el cine más entretenido por uno más ambicioso, su decisión se convirtió en un arma de doble filo. Por un lado, cuando acertaba, lo hacía brillantemente (véase Cazador blanco, corazón negro o Gran Torino). Por el contrario, cuando fallaba, sus películas se convertían en obras convencionales cuyo único propósito parecía acaparar premios por doquier (a.k.a. El intercambio o Banderas de nuestros padres).
Invictus, su más reciente trabajo, se sitúa estratégicamente entre ambas direcciones.

La historia de Nelson Mandela intentando reconciliar una nación mediante una final de Rugby tiene todos los ingredientes para ser una gran película o una obra convencional.
Argumentalmente, el guión de Anthony Peckham incluye ciertos elementos atractivos, para los que da la historia original, sobre la espiral del odio. El problema, lo que hace que Invictus no llegue a ser una gran película, por muy correcta que pueda ser, es la obsesión que existe por enterrar los elementos más originales en la convencionalidad y el tópico de unos diálogos supuestamente profundos, pero, en verdad, mal llevados. Charlas sobre el destino terminan resultando cansinas cuando su motivo parece no ser otro que ser falsamente emotivos.

Con un reparto no especialmente logrado (un Morgran Freeman que está gritando por un Oscar y un Matt Damon siempre correcto) y un equipo técnico que deja qué desear (una fotografía fallida y una partitura simple), Eastwood consigue hacer de Invictus una película medianamente lograda.
Teniendo todos sus fallos, el film consigue un buen ritmo y en general no cabe duda de que es entretenida, por mucho que no sea tan buena como pretende.

En tierra hostil

2010-02-10T00:00:00.001+01:00

(The Hurt Locker, 2008)

Casi como infiltrándose, la última película de Kathryn Bigelow empezó su recorrido en festivales y pequeñas premieres, obteniendo progresivamente más reconocimiento y llegando a la gala de los Oscar (que, las cosas como son cada vez significan menos).

Narrando la estancia de un grupo de desactivadores de bombas del ejercito en Irak, En tierra hostil se inscribe en la moda reciente del cine de películas bélicas contemporáneas; un campo que, hasta día de hoy, nos ha dado más disgustos (Redacted) que alegrías (El regreso, capítulo de Masteers of Horror).

La llegada de Bigelow a la guerra de Irak, pese a la irregular carrera de la directora, no es para nada desdeñable (lo que tampoco significa que no tenga sus fallos, que los tiene, y bastantes), especialmente en su primera hora.
El guión de Mark Boal consigue alejarse durante un rato de los mensajes fáciles que plantean este tipo de obras, para plantear la primera mitad de En tierra hostil como una película de set pieces sobre la guerra.

Y, durante esta primera hora, compuesta de cuatro escenas mayores llenas de tensión, la película resulta verdaderamente impresionante, gracias a la dirección de Bigelow.
La directora de Días extraños se vale de una fotografía realista y un sonido simplemente prodigioso (unido a una banda sonora ausente, lo cual no hace sino delirante su nominación al Oscar) para recrear una grandiosa atmosfera en la que acontecen esas cuatro escenas, llenas de tensión (la gente apareciendo en los balcones mientras se desactiva la bomba del coche) y narradas con una parsimonia que se agradece (el capítulo del francotirador).

Durante esta primera mitad, En tierra hostil es una película de acción más que lograda. Pero su continuación es lo que hace del conjunto una película fallida.
Durante la segunda hora, el guión de Boal entra en algo que había ignorado acertadamente hasta ese punto. Lo que comenzó siendo como un retrato de episodios bélicos logrados se ve en la obligación de adquirir un tinte más dramático y personal que de, supuestamente, un sentido a la película.
Pero lo cierto es que escenas como la de los soldados en la habitación o la del protagonista buscando venganza repiten cosas ya muy vistas, sin llegar a convencer realmente.

Así, En tierra hostil es una película irregular, con una primera hora brillante y una segunda hora olvidable, pero que en conjunto es un proyecto bienvenido en el cine bélico y de acción reciente, con una factura visual y sonora impresionante.

28 semanas después

2010-02-08T00:00:00.004+01:00

(28 Weeks Later, 2007)

Mientras todos los medios de comunicación se vuelcan en anunciar la internacionalización de compatriotas como Alejandro Amenabar, Pedro Almodovar o Javier Bardem, uno no puede más que lamentar que haya otros, no carentes en absoluto de talento, que deban colarse por la puerta de atrás. No sólo hablamos de Nacho Vigalondo y el reconocimiento de su película en el extranjero (donde ha sido alabada por los creadores de Perdidos), sino de Juan Carlos Fresnadillo.

El director comenzó en esto del cine con la interesante Intacto (2001), una especie de thriller sobrenatural bastante bien llevado, pese a sus fallos. Tras éste, y de forma verdaderamente sorprendente, dio un salto y llegó a la dirección de 28 semanas después, que podrá gustar o no, pero que indudablemente es un proyecto enorme y sin duda provechoso, que Fresnadillo ha sabido utilizar para ganarse cierta fama y llegar a proyectos como Bioshock.
A la hora de narrar la historia de una Inglaterra asolada nuevamente, tras 28 días después (28 Days Later…, 2002), por zombies, el director pudo gozar de una gran libertad para llevar a su equipo técnico, con la curiosa la presencia del guionista de El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo (2004), y personalizar una película que tiene una de cal y otra de arena.

Por un lado, el mayor defecto de 28 semanas después es, sin lugar a dudas, los momentos concretos de su historia.
Partiendo de unas ideas interesantes, como la presencia del ejército estadounidense o el delirante retrato de la familia tradicional, el guión, aunque correcto en sus diálogos, termina derivando en un sinsentido que parece estar solamente para crear momentos impactantes, más que en escenas que estén guiadas por una historia.

Pero lo bueno de la película es que reposa sobre una correctísima dirección de Fresnadillo. Con un gran número de recursos en su haber, el director realiza un trabajo destacadísimo para su segundo largometraje.
Visualmente, 28 semanas después bebe de muchísimas referencias, entre ellas el anime, y recrear un Londres desértico fascinante. La mano de Enrique Chediak es vital en este desangelado retrato futurista, para hacer un fascinante retrato de las localizaciones y dar una de las mejores noches americanas del cine reciente.

En los planos, en la fotografía, en la música… 28 semanas después presenta escenas verdaderamente pesadillescas que ayudan a hacer de la segunda película de Juan Carlos Fresnadillo una obra con algo de fondo pero con una forma enormemente interesante.

Los Increíbles

2010-02-05T00:00:00.002+01:00

(The Incredibles, 2004)

Con el paso del tiempo, Pixar ha ido adquiriendo cada vez más fama, siendo sus películas reconocidas como los mejores filmes de animación actuales. Y aunque obras como Wall-E (2008) y Up (2009) son sin duda grandes, el éxito parece quizás algo desmedido, más aun con filmes como Ratatouille (2007) o Cars (2006), olvidando algunas de sus películas anteriores a esta fama, como Los increíbles, probablemente el mejor trabajo producido por la compañía hasta la fecha.

Pero lo cierto es que la película es más de su director, Brad Bird, que de Pixar, y eso se nota en cada fotograma. El autor de la simplemente sublime El gigante de hierro (The Iron Giant, 1999), como gran amante del cine que es, hace de sus películas no sólo maduras obras de animación, sino brillantes homenajes fílmicos.

Bird es uno de esos directores que entienden que la madurez y calidad de una película de animación (o de una de imagen real) no viene determinada por el número de chistes obscenos o supuestamente irreverentes, sino por la forma en que todo es guiado. Y Los increíbles es intachable en ese sentido.
Nacida durante la moda de adaptar cómics a la pantalla grande, la película va más allá de lo que han ido otras adaptaciones, para realizar un sentido homenaje a un cine de acción que podríamos llamar clásico y un viaje a los años 50, con todos sus encantos.

El estilo que respira cada fotograma es enormemente clásico, poniendo el énfasis en la historia y sustentando sobre ella la acción y el humor, y no al revés. Bird no se deja frenar por el hecho de hacer una película para toda la familia, y va más allá de contentar a los más pequeños, para hacer una película con un ritmo y unas cuestiones aptas para todo el mundo, tomando entre sus puntos de partida el magnífico comic Watchmen (y siendo muy superior a su adaptación oficial).

Visualmente, la película es un auténtico festín, en el uso de los colores (especialmente en su inicio), en la perfección de su animación o en todos sus diseños. Sonoramente, además, encontramos un reparto de voces no especialmente famosas pero perfectas (en especial Craig T. Nelson) y la primera partitura musical para el cine de Michael Giacchino (aun a día de hoy, su mejor trabajo), una magnífica obra que aúna multitud de referencias, yendo a contracorriente de lo que nos tiene acostumbrado el cine de acción reciente.

Con todos estos elementos, Los increíbles no sólo es una de las mejores películas de animación de los últimos años (junto a El gigante de hierro), sino también una perfecta obra de acción y aventuras.

Robin de los bosques

2010-02-03T00:00:00.001+01:00

(The Adventures of Robin Hood, 1938)

Ahora que se anuncia la nueva película de Ridley Scott como una revisitación realista de la leyenda de Robin Hood, no está de más remontarnos unos años para ver otra obra sobre el personaje.
Y lo cierto es que la película de William Keighley y Michael Curtiz sigue siendo, a día de hoy, una película de aventuras verdaderamente encantadora.

Lejos de supuestos realismos épicos y dramáticos que hoy día parece que hacen mejor una película, el Robin Hood protagonizado por Errol Flynn no puede sino resultar verdaderamente encantador.
La fotografía de Sol Polito y Tony Gaudio retrata una Inglaterra de cuento y ayuda a Keighley y Curtiz con una magnifica planificación (no hay más que ver la lucha final) y un uso de colores enormemente acentuados que dan a la película un tono visual simplemente impresionante.
Ayudados de la partitura musical de Erich Wolfgang Korngold, consiguen un soberbio tono aventurero sin pretensiones pero con muy buenos resultados, lo que realmente se agradece.

Con un plantel de actores legendario, compuesto por Errol Flynn, Claude Rains y Basil Rathbone entre otros, la película puede resultar falsa y ficticia para los tiempos actuales, en los que se parece creer que las cosas más realistas y dramáticas son mejores, pero lo cierto es que resulta mucho más estimulante, entretenida y memorable que otras adaptaciones recientes, como la protagonizada por Kevin Costner o la serie producida por BBC.

Así, Robin de los bosques es una película de aventuras simplemente magnífica, una historia visualmente fascinante y rematadamente entretenida.

Doctor Who

2010-02-01T00:00:00.002+01:00

(2005-2010)

El Doctor es un personaje cuyo origen se remonta a los años 60, cuando comenzó en la televisión inglesa una serie que duraría hasta los 80.
En 2005, Russell T. Davies tuvo la idea de relanzar la historia como una secuela que sirviera al mismo tiempo de nuevo inicio, y así llegó un nuevo Doctor para sintonizar con las nuevas generaciones, cosechando un enorme éxito en su país.
Esta nueva serie se extendería durante cuatro temporadas y varios especiales (el último de los cuales se emitió hace apenas un mes), con diferentes arcos argumentales llevados por el propio Davies, antes de que la batuta pasara a manos de Steven Moffat para la quinta temporada (a estrenar en un mes), guionista de algunos capítulos y de la película de Tintín que está preparando Steven Spielberg.

Al empezar Doctor Who, con Christopher Eccleston en el papel protagonista (quien dejaría paso a David Tennant en la segunda temporada), uno no puede pasar por alto que la serie de Davies no está a la altura de lo que la televisión actual nos tiene acostumbrados en cuanto a medios. A fin de cuentas, la obra puede parecer un poco pobre en comparación con series como Perdidos o Life on Mars (de la misma cadena). Los efectos y en general todo el aspecto visual se antoja ciertamente tosco.
Pero una vez superada esta primera impresión, en un mundo donde todas las series cansan por su absoluta falta de imaginación y sus continuas repeticiones (que digo eso por no mencionar directamente House o C.S.I.), Doctor Who tiene la curiosa capacidad de funcionar por acumulación. Pasados los primeros momentos, la serie no hace más que ascender.

Por un lado, el propio planteamiento de la serie, que narra la historia de un ser capaz de viajar en el tiempo y en el espacio, limita mucho menos la propuesta y permite conseguir una mayor variedad en sus episodios, que pueden estar ambientados en el pasado o en el futuro, ser de miedo o de aventuras…
Por otro, tenemos a su carismático protagonista y sus múltiples acompañantes y enemigos, encarnados estos últimos por un plantel correctísimo de actores de todas las edades. Desde los siempre solventes Derek Jacobi y Timothy Dalton, hasta el habitualmente muy moderado John Simm dando rienda suelta a su vena más histriónica (lo cual se agradece).

Probablemente uno de los personajes más carismáticos de la televisión actual, el Doctor termina siendo mucho más que un simple bufón (que también es), para guiar dilemas y ambigüedades morales que, si bien no son especialmente profundos ni novedosos, ayudan a enriquecer una historia más allá de una arquetípica figura heroica de las de toda la vida.
Y si la interpretación de Eccleston es más que atractiva, aunque sólo sea por ver como un actor usualmente tan inexpresivo es capaz de hacer tantas tonterías en pantalla, uno termina cogiendo verdadero aprecio a Tennant, no se sabe si porque es el que más ha durado o porque, en efecto, es el mejor.
Su capacidad para caer realmente bien, con sus frases y momentos memorables (“Allons-y”), hace que la combinación del actor con el personaje sea verdaderamente memorable y difícil de superar (a la espera de ver su relevo en la próxima temporada).

Y, como existe el riesgo en series tan variadas, los capítulos de Doctor Who y sus tramas oscilan entre lo prescindible y lo brillante.
Los episodios autoconclusivos, algunos verdaderamente interesantes (tales como Blink o Midnight), van guiando unas temporadas hasta un final épico que, por el lado negativo, Davies suele tener problemas para controlar. Así, pese a la corrección del final de la segunda y la cuarta temporada, y contando con los fallidos de la primera y la tercera, esta faceta de Doctor Who no se realiza completamente hasta el especial The End of Time, donde la combinación de humor, drama y acción acompaña a la confluencia de todas las tramas como un punto final más que correcto a esta etapa.

Así, Doctor Who, en la etapa de Russell T. Davies, es una serie que, in crescendo, termina resultando verdaderamente lograda y adictiva, con algunos de los personajes y momentos más destacados de la televisión reciente.

Acantilado rojo

2010-01-29T00:00:00.003+01:00

(Chi bi, 2008)

(Chi bi xia: Jue zhan tian xia, 2009)

Desde el estreno en su día de Tigre y dragón (Wo hu cang long, 2000), la correcta película de Ang Lee, las películas históricas chinas han ido cobrando cada vez más relevancia en occidente, mayormente a cargo de Zhang Yimou, con obras tan interesantes como Hero (Ying xiong, 2002) o la magnífica La maldición de la flor dorada (Man cheng jin dai huang jin jia, 2006).
Ahora, John Woo, director de películas tan olvidables como M.I.-2:Misión Imposible 2 (Mission: Impossible II, 2000), vuelve a su país de origen, donde se dice que hizo sus mejores trabajos en los años 70 y 80, para contar una historia épica y legendaria, la de la batalla que tuvo lugar en el Acantilado rojo entre diferentes ejércitos.

El resultado de tal proyecto han sido dos películas de dos horas y media cada una, un díptico que se extiende durante cinco horas y que en occidente ha sido convenientemente sazonado y remontado.
No deja de resultar curioso que, mientras diversas distribuidoras se afanan en vender montajes extendidos de películas mediocres y existe una mentalidad de rescatar aquellos clásicos del cine que en su día fueron mutilados, se remonten porque sí películas ajenas, dejándolas en la mitad de su metraje.
Si la versión reducida es mejor o peor no es cuestión, pues lo que importa es que esa no es la película original, que es como es, con sus aciertos, sus fallos y su duración.

¿Significa este afán de ver el épico montaje original que la película de Woo es una obra maestra que permanecerá en la historia como una película épica de tintes clásicos? Las cosas como son, no, en absoluto. No obstante, este retorno del director a su China natal es una más que interesante historia que da mil vueltas a su etapa americana.
Así, lo primero que llama la atención de Acantilado rojo es la capacidad de Woo para desenvolverse con una historia tan compleja, construyendo una película bélica por momentos fascinante, extremadamente entretenida para sus cinco horas de duración y con una perfección técnica impecable (a la que sólo cabe achacar una banda sonora por momentos memorable pero irritante con su insistencia).

Con un reparto liderado por unos estupendos Tony Leung y Takeshi Kanehiro, dos actores del cine de Yimou, este drama bélico es perfectamente divisible en dos estilos diferentes, con sus más y sus menos.
Sin ser enormemente elaborada, lo cierto es que la parte estratégica y bélica de Acantilado rojo (más acentuada en la primera película) es prácticamente intachable.
La capacidad de Woo para visualizar las batallas (hay tres en toda la obra) y hacerlas interesantes es sólo superada por su pulso a la hora de planificar las tomas y narrar las diferentes estrategias y pactos que llevan a cabo los protagonistas . Así, escenas como el primer encuentro en el Acantilado rojo entre los dos protagonistas o la batalla inicial, son momentos que resultan, aunque quizás algo simplificados, enormemente interesantes y por momentos fascinantes.

Pero la moneda que el chino lanza al aire tiene dos caras, y la otra no es tan positiva. Existe en Acantilado rojo un estilo dramático, más acrecentado en la segunda película, que lastra la obra. Y es que, siendo claros, Woo carece del talento de Yimou para narrar dramas humanos, y el componente más emocional de su díptico está a años luz del que el otro director demostró en la mencionada La maldición de la flor dorada.
Es en subhistorias como la de la mujer de Zhou Yu (a la que tampoco ayuda la floja interpretación de Chiling Lin) o en la relación que traba la espía en el campo enemigo (y que pretende acudir a la emotividad facilona) donde la obra se resiente y llega, por momentos, a rozar el ridículo (el nacimiento del caballo, verdaderamente surrealista).

Son sus elementos bélicos (tales como la maniobra de Zhuge Liang para recoger flechas) y estratégicos (el mandato de Yu a sus hombres para borrar los granos de arroz de sus botas) y la relación entre sus dos protagonistas, que fácilmente ocuparán cuatro horas del metraje, donde la nueva película de John Woo encuentra su tono y consigue despegar.

Sherlock Holmes

2010-01-27T00:00:00.002+01:00

(2009)

El detective creado por Conan Doyle es, a día de hoy, el personaje literario más adaptado al cine. Los progresivos cambios que han ido dándose en el mundo fílmico sobre él y que han hecho olvidar ciertos rasgos de su personalidad o han encumbrado elementos apócrifos (“Elemental, querido Watson”) , nos llevan a concluir que las películas de Sherlock Holmes sólo pueden ser vistas, en la mayoría de los casos, como hijas de su tiempo, con todos los fallos y los aciertos que ello conlleva.

Y si en los ochenta tuvimos la versión juvenil y fantasiosa del personaje, con El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes, 1985), ahora toca una revisión enmarcada en el contexto de las superproducciones cargadas de acción y efectos especiales.
Aun teniendo en cuenta la presencia de Guy Ritchie y Joel Silver, lo cierto es que esta nueva visita al universo del detective consigue salir con cierta dignidad del atolladero. Y, con las películas que hemos podido ver últimamente, ello ya es en sí mismo algo a destacar.

Partiendo de una visión acomodada a los deseos de las productoras, la nueva aventura de Sherlock Holmes recupera ciertos elementos de la obra original que hasta ahora habían estado enterrados, tal como su afición al boxeo, a la esgrima, o la inusitada dignidad del personaje de Watson. Y, por supuesto, la presencia del razonamiento deductivo.
Por supuesto, todos los elementos estarán contemplados desde el prisma de una superproducción de acción del siglo XXI y serán convenientemente sazonados para tal caso, incluyendo resoluciones (como la explicación final) forzadas y facilonas, un sentido del humor que a veces funciona (Sherlock Holmes saliendo por la ventana) y a veces no (él atado desnudo a una cama) y unas escenas de acción no demasiado bien resueltas.

Contando con un guión aceptable, Guy Ritchie toma las riendas de la película rodeándose de un equipo de técnicos y especialistas que, por supuesto, saben cumplir perfectamente con su profesión, pero que no consiguen cubrir las carencias del inglés como director.
Y es que, aunque sus tics (ralentizaciones y derivados) puedan estar mejor llevados que en otras películas, su dirección termina resultando verdaderamente apática, sin transmitir absolutamente nada.
Con este panorama, quién lo iba a decir, uno de los elementos más destacados sería la partitura del cada día más temible Hans Zimmer, capaz de lo mejor (The Ring) y lo peor (Kung Fu Panda), que aquí, aunque sin hacer nada especialmente brillante, se atreve a innovar en el sonido y crear algunos temas musicales que intentan ir más allá de una tonadilla heroica (aunque sólo lo consiga a medias).

Así, Sherlock Holmes se aúpa enteramente en los hombros de sus actores principales, Robert Downey Jr. y Jude Law (a Rachel McAdams mejor no mencionarla).
Con su humor y moderación el primero y con su porte el segundo, encarnan a los personajes de Conan Doyle de una forma más que correcta y se aprovechan de los pocos detalles realmente mencionables del guión (y que siempre se refiere a la relación entre ambos), y dan cierto atractivo a una película que, aunque en ningún momento llega a insultar la inteligencia del espectador, termina haciéndose algo cansina.

Dersu Uzala

2010-01-25T00:00:00.001+01:00

(1975)

Los siete samuráis (Shichinin no samurai, 1954) y Rashomon (Rashômon, 1950) son a día de hoy películas de una brutal influencia, incluso en aquellos que no las conocen pero han sido testigos de remakes u homenajes varios, que ya prácticamente forman parte de la cultura popular, como quien dice.

Akira Kurosawa, probablemente uno de los mejores directores de la historia del cine, ha sido un autor enormemente homenajeado y con una carrera por momentos brillantes en la que no sólo sobresalen las cintas ya mencionadas, que también (especialmente la primera, brillante), sino la plasmación en imágenes de la historia real de Dersu Uzala, un cazador de la tunda rusa que traba amistad con un capitán del ejercito ruso.

El japonés se adentra en el cine ruso con un idioma extranjero para narrar una historia sencilla, que no simplona, con la parsimonia característicamente oriental.
Y es aquí, descansando enteramente sobre sus personajes y construyendo unas relaciones que, lejos de la obviedad y el énfasis, resultan de lo más realistas, donde Dersu Uzala se conforma como una película verdaderamente memorable y conmovedora, con momentos tanto emotivos (el reencuentro) como verdaderamente dramáticos (su último acto, desgarrador).

El poderío visual de Kurosawa es un elemento vital para construir una historia que sustenta gran parte de su peso en la imagen y la ambientación, que componen una recreación magnífica de la naturaleza y ayudan de forma inestimable al mensaje naturalista que encierra la cinta y que a día de hoy conviene no olvidar.

El personaje de Dersu, encarnado magnificamente por Maksim Munzuk, es uno de los protagonistas más memorables del cine de los últimos 40 años, y presenta, en su relación con el capitán, momentos que conforman una obra de una gran fuerza.
La diversión, la emotividad, el drama... hacen de Dersu Uzala, en su sencillez aparente, una película imprescindible y difícil de olvidar.

El exorcista. El comienzo (La versión prohibida)

2010-01-22T00:00:00.000+01:00

(Dominion. Prequel to the Exorcist, 2005)

La historia detrás de El exorcista. El comienzo es una de esas que, como mínimo, llaman la atención.
A la hora de hablar del pasado religioso del padre Merrin, los ejecutivos de Warner Bros se hicieron con un guión escrito a cuatro manos por William Wisher Jr. (colaborador habitual de James Cameron) y el reputado novelista Caleb Carr.
La película, que iba a dirigir John Frankenheimer antes de morir, llegó a manos de Paul Schrader, cuyos guiones para Taxi Driver o La última tentación de Cristo, sin duda le sitúan como un tipo de cierto interés (aunque menos talentoso de lo que él mismo se piensa).

El resultado final de la película fue mostrado a Warner Bros y su reacción ante lo que habían visto, que era más un drama que una película de terror, fue la de despedir a todos los implicados, contratar un nuevo guionista y rehacer la historia sobre el enfrentamiento del padre Merrin con el demonio para convertirla en una película de vómitos y sangre.

Posteriormente, debido a las malas criticas que cosechó la versión nueva, los ejecutivos decidieron lanzar el montaje original de Schrader, en la esperanza de que su visión, más personal, les valiera alguna buena crítica.

En los diez primeros minutos de El exorcista, el cada vez más perdido Williamd Friedkin supo dar un comienzo magistral a una obra convertida hoy en película de culto. Sin apenas contar nada, reposó todo este soberbio inicio en una dirección, una ambientación y un misterio impresionantes.
El exorcista. El comienzo, ambas versiones, tienen más que ver con estos primeros momentos que con lo que sería la historia posterior.
Pero, como era de esperar, ninguna de las dos versiones consigue igualarlos.

El guión de Wisher y Carr para esta génesis es, cuanto menos, atípico y valiente. Ambos buscaron más un drama de tintes filosóficos y teológicos que una película de terror. Una historia guiada por los personajes, con más aciertos que fallos (el elemento humano en el mal), que, si bien no perfecta, se erige como más elaborada de lo habitual.

Schrader, por su parte, presenta más fallos que aciertos. Aunque tiene buenas ideas, ciertos detalles brillantes (la primera noche en el campamento) y presenta una dirección clásica, el colaborador de Martin Scorsese hace un trabajo demasiado flojo, totalmente carente de la intensidad, el drama y el miedo que una historia así requería y a los que el guión da pie suficiente.

Así, momentos como los que intercalan la profanación de la iglesia con el nacimiento y la operación son, en su concepción, grandes escenas, pero quedan en nada, mientras que ideas como el delirante sueño del padre Merrin o los elementos sobrenaturales, con ciertos atractivos, terminan cayendo en el ridículo.

Toda la película, salvo el guión, resulta apática y estática, con un reparto que no pasa de correcto (salvo el siempre interesante Stellan Skarsgård, que sabe llevar todo el peso de su personaje) y un equipo técnico lejos de lo mejor que podían dar, con la aburrida fotografía de Vittorio Storaro, la irregular partitura musical de Angelo Badalamenti (combinada con temas de Trevor Rabin para la otra versión) o los mediocres e innecesarios efectos visuales.

Pero, con sus más y sus menos, sería injusto negar que El exorcista de Schrader es una película interesante.
Aciertos argumentales y visuales, junto a una dignidad perdida en el cine de terror actual, le dan cierto valor; pero terminan hundiéndose por un director que no es el Friedkin de los 70.

Monstruoso

2010-01-20T00:00:00.000+01:00

(Cloverfield, 2008)

El por qué J. J. Abrams recoge tantos cumplidos es algo que, a día de hoy, escapa por completo a mi entendimiento. Es un cineasta con algunos aciertos, sí, pero sus mayores éxitos han sido llevados por otros.
La estupenda serie Perdidos (Lost, 2004-2010), por la que tanto se le reconoce, fue co-creada por Damon Lindelof, y es a día de hoy llevada completamente por éste y Carlton Cuse, casi sin presencia de Abrams.
Los trabajos más directamente relacionados con el director-productor-guionista son la terrible Nunca juegues con extraños (Joy Ride, 2001), cuyo guión escribió, las prescindibles series Felicity (1998-2002), Alias (2001-2006) y Fringe (2008-2010), y sus dos trabajos como director, la indiferente Misión Imposible 3 (Mission: Impossible III, 2006) y la directamente mala Star Trek (2009).

A día de hoy, los dos mejores productos que ha dado Abrams son la mencionada serie y este Monstruoso, que él produjo, pero cuya dirección y guión recaen respectivamente en Matt Reeves y Drew Goddard (presente en la mejor etapa de Perdidos), que nos cuentan la historia de un grupo de supervivientes al ataque de un monstruo gigante en Nueva York, enteramente con imágenes grabadas por una cámara casera.

La publicidad viral, esa que nos vende un producto sin que sepamos muy bien de qué va, tiene su máxima representación en Monstruoso, que con una hora y veinte de duración se centra mayormente en la espectacular destrucción y deja para la campaña promocional las posibles explicaciones sobre el monstruo y sus consecuencias.
Así, la producción de Abrams, al que no cabe duda de que le debemos cierto reconocimiento, crea con estas campañas un tono de misterio que impregna todo el proyecto y que, sin duda, le otorga cierto valor para aquellos que lo vivieran en directo.

Pero una campaña viral por sí misma no sirve para nada si la película no funciona, y aquí es donde se encuentra ya la disparidad de opiniones.
Y es que, argumentalmente hablando, Monstruoso inventa poco o nada. El guión de Goddard se ajusta por momentos al esquema típico de Abrams, donde un grupo de jóvenes modernos salidos de una revista (e interpretados entre correcta y atrozmente) montan una fiesta. Pasada esta introducción, el monstruo llega y la película se convierte en un auténtico no parar, una montaña rusa que, como hacía 28 semanas después (28 Weeks Later, 2007) utiliza el argumento en ocasiones como excusa para llevar a los protagonistas allá donde más emocionante será la película (la escena del metro), sin importar las incoherencias que hayan tenido que pasar. Y lo hace con corrección, unos niveles mínimos que se agradecen y algunos aportes verdaderamente interesantes, como son la introducción de “flashbacks” y la masacre indiscriminada de personajes (especial atención merece la escena en la tienda médica, sorprendente).

Así, si algo o alguien saca adelante Monstruoso es Matt Reeves.
El director llega a la película con las ideas claras y, sorprendentemente, consigue dominar el formato de cámara casera y convertirlo en una entretenidísima experiencia cinematográfica, no como El proyecto de la bruja de Blair (The Blair Witch Project, 1999).
Que la película se vea a través de una cámara casera no significa que deba ser cutre o mareante. Reeves lo sabe, y en su dirección logra aportar un enorme realismo a la situación con una perfección técnica y una planificación impecable, contando con una lograda fotografía de Michael Bonvillain (fotógrafo de Bienvenidos a Zombieland, 2009) y unos efectos especiales correctos y bien dosificados.

A esto cabe añadir, por muy superficial que pueda parecer, “Roar!”, el tema musical de 10 minutos compuesto por Michael Giacchino para los créditos finales (el resto de la cinta carece de música), que, aunando las influencias de los diferentes compositores clásicos, se erige como una de las mejores bandas sonoras de los últimos años, y consigue aupar la experiencia que ha supuesto la película mediante su épica y su dramatismo (al menos, para aquellos que se queden durante estos créditos).

Así, Monstruoso, sin ser una maravilla, es una cinta de ciencia ficción espectacular, bien hecha y rematadamente entretenida.

La carrera del siglo

2010-01-18T00:00:00.000+01:00

(The Great Race, 1965)

Blake Edwards es un director que, en su irregularidad, ha dado al mundo del cine películas tan variadas como La pantera rosa (The Pink Panther, 1963), Desayuno con diamantes (Breakfast at Tiffany's, 1961) o 10, la mujer perfecta (10, 1979). Pero probablemente La carrera del siglo sea una película única en su filmografía, en cuanto que es un surrealista relato épico cargado de humor al más puro estilo de los alocados Looney Tunes. No por nada, probablemente fuera la influencia principal de la serie Los autos locos (Wacky Races, 1968).

El gran Leslie (Tony Curtis) propone una carrera desde Nueva York a París en coche, donde su principal contrincante será el nada temible Profesor Fate (Jack Lemmon).

Como una versión disparatada del viaje de Lindberg, Blake Edwards propone con La carrera del siglo una traslación del disparatado espíritu de los dibujos animados a una película en imagen real cargada de épica, desde su equipo de técnicos de primera hasta su formato panorámico, pasando por una duración de más de dos horas y media.
El delirante filme propuesto por Edwards es una historia verdaderamente simple e intrascendente adornada de la forma más enrevesada posible por un envoltorio del todo grandilocuente que sólo pretende realzar el espectáculo visual y humorístico.

En una nueva colaboración tras Con faldas y a lo loco (Some Like it Hot, 1959), Tony Curtis y Jack Lemmon encarnan al galán más espectacular y al malvado más inútil con un sentido del humor y una sobreactuación (especialmente, el segundo) por momentos memorable, y pululan por localizaciones espectaculares viviendo historias de lo más variopintas que basan su humor tanto en el diálogo (toda la subtrama del periódico) como, directamente, en los golpes bien llevados. Y ahí está la batalla de tartas más legendaria jamás hecha para probarlo.

Parte de esta épica está puesta, de forma vital, por técnicos expertos que saben lo que hacen; no por nada consiguieron un Oscar y otras cuatro nominaciones para la película.
Mientras la fotografía de Russell Harlan (con un simpatiquísimo colorido) da a la película ese toque que la complemente en sus localizaciones y decorados, la banda sonora del legendario Henry Mancini desprende un estilo y un porte lleno de elegancia y energía, con una canción principal memorable.

Así, La carrera del siglo es una película que, por su sentido del humor y parodia, no puede dejar de resultar simpática y entretenida, lo suficiente para que pasemos por alto sus altibajos, que los tiene, para centrarnos en el tono aventurero y cartoon del conjunto.

Buenas noches, y buena suerte.

2010-01-15T00:00:00.001+01:00

(Good Night, And Good Luck., 2005)

Hollywood parece encontrar un extraño atractivo en adaptar a la gran pantalla historias reales y, en la gran mayoría de los casos, lo hace centrándose en los elementos más tópicos que puede haber, para dar una obra que, con todos los convencionalismos del biopic, busca acaparar cuantas más premios mejor.
Pero de vez en cuando surgen otras películas que buscan hacer algo diferente, o que lo hacen con gran acierto. Y aquí es donde entra Buenas noches y buena suerte, una de las películas más interesantes de la última década.

George Clooney es, como actor, uno de los tipos más carismáticos que el cine al otro lado del charco puede darnos y, probablemente, siempre sea uno de los mejores elementos de la película en que trabaja (por mala que esta pueda ser). Quién lo iba a decir del protagonista de Urgencias y Batman y Robin, pero así es.
Y aun en su faceta de director no deja de ser interesante.

Con enormes influencias de obras clásicas, Clooney, en sus tres películas como director, ha demostrado ser un tipo con buenas ideas y talento pero, aquí viene lo malo, lastrado siempre por una excesiva cerebralidad y falta de espontaneidad. Es decir, que una película dirigida por George Clooney siempre será interesante pero incompleta. Y eso le sucede a Buenas noches, y buena suerte.

El tema es que el material de partida es tan apasionante y complejo que eso apenas termina importando.
La narración de la lucha de un programa de televisión contra la caza de brujas del senador McCarthy en los años 50 es una historia que, en sus implicaciones, puede extenderse y aplicarse a muchísimos elementos.
Y, siendo una película de un claro contenido político, es llevada por Clooney y su co-guionista y director de la inminente Los hombres que miraban fijamente a las cabras (The Men Who Stare at Goats, 2009), Grant Henslov, con una moderación envidiable.

Clooney realiza una película que, en su blanco y negro y en su puesta en escena (austera, pero no por ello mala), se enmarca perfectamente en la época (años 50) y el medio (televisión) en los que la película se sitúa y que, a diferencia del morboso partidismo de otros cineastas como Oliver Stone o Michael Moore, se respalda enormemente en imágenes de archivo reales que de tan fascinantes e increíbles no cansan en ningún momento, aunque pueden hacer sentir que estamos más ante un documental que una película.

Los elementos dramatizados del relato son llevados con una dignidad envidiable, a pesar de cierto distanciamiento de la historia que Clooney parece no poder evitar nunca, y no sólo no sobran en ningún momento, sino que por momentos se echan en falta (da ciertas cosas por sentado, tales como el contexto de la caza de brujas o la relación romántica de dos personajes).

Pero casi cualquier fallo que pueda haber en la película se subsana con una correctísima dirección, una magnífica fotografía en blanco y negro y unas actuaciones brillantes. No sólo encontramos a actores tan adecuados como Robert Downey Jr. o el propio Clooney, sino a un simplemente prodigioso David Strathairn, cuya recreación de Edward Murnow evita las caricaturas tan habituales en biopics y realiza una personificación realista y asbolutamente fascinante.

Así, la segunda obra de George Clooney como director es una de las película más logradas de los últimos años y una fascinante representación de uno de los momentos más vergonzosos de la historia reciente de los Estados Unidos.

Los nibelungos

2010-01-13T00:00:00.006+01:00

(Die Nibelungen: Siegfried, 1924)

(Die Nibelungen: Kriemhilds Rache, 1924)

Aunque el cine alemán parezca, a día de hoy, parcialmente olvidado del mundo, enterrado por la maquinaria mainstream que nos bombardea con épicas superproducciones de costosos efectos visuales, conviene no olvidar que, allá por los albores del cine, fue el país que nos dio algunas de las mejores películas de la historia, con directores tan notables como F. W. Murnau o Fritz Lang.
Éste último nos ocupa a la hora de hablar de Los Nibelungos, una historia de aventuras y traiciones en el sentido más tradicional del termino, que supuso en su día una de las apuestas más épicas (y, hoy, más recordadas) de la UFA, junto a Metrópolis (Metropolis, 1927), también de Lang (cuya etapa alemana sólo puede ser descrita como prodigiosa).

Adaptando una leyenda que Wagner ya había hecho famosa con una serie de composiciones de las que Lang no era precisamente un seguidor, el alemán se puso manos a la obra con la que era su esposa por aquel entonces, la prolífica Thea Von Harbour, para hacer su proyecto más ambicioso hasta ese momento, sólo superado en el resto de su carrera por la mencionada Metrópolis.

Como ya había hecho antes con Doctor Mabuse (Dr. Mabuse, 1922) y Las arañas (Die Spinnen, 1919-1920), Lang decidió estrenar la obra como dos películas, aprovechando las dos partes claramente diferenciadas que posee la historia, y permitiéndose así una mayor duración (juntas, rondan las cinco horas).
Así, el díptico de Los Nibelungos comienza como una historia de aventuras de corte fantástico, narrando el ascenso y caída de Sigfrido, y concluye con un tono mucho más dramático y realista, con la venganza de Krimilda.

Y Lang, como ya demostró a lo largo de su carrera con toda clase de géneros, no tiene problemas para encontrar el tono exacto de ninguna de las dos historias.
La épica historia de amor y venganza del alemán no sólo presenta una perfección técnica impresionante (la maqueta del dragón, aunque irrisoria a día de hoy, no es muy inferior a algunas que se utilizaron en ciertas películas durante los 50 o 60 años posteriores), sino que, partiendo de un guión más que correcto, en plena época del expresionismo germano, Los Nibelungos tiene una factura audiovisual impresionante.

El talento visual de Lang y su deuda con el expresionismo se respira en cada fotograma.
Su fuerza para cargar con un proyecto tan ambicioso en medios es envidiable. Y aunque la película peque a día de hoy de ciertos fallos (el vestuario o ciertos elementos mágicos pueden por momentos resultar ridículos, aunque funcionen en el contexto del filme) el poderío visual que demuestra (por ejemplo, con el paseo de los reyes en el primer capítulo), unido a esa capacidad hoy tan perdida de contar una historia con las imágenes y relegar el diálogo (en este caso, los intertítulos) a momentos puntuales, hacen de la película una de las mejores de su director.

La capacidad de Lang y Von Harbour para dotar el relato del espíritu aventurero y enérgico que requiere la primera parte (acorde con la naturaleza de Sigfrido) y del drama que impregna la segunda (con la ira de Krimilda) hacen de su película una obra enormemente variada y memorable.

Y a pesar de ser una película muda, hemos tenido la suerte de que la partitura original de Gottfried Huppertz para el estreno (sobre la cual escribí un artículo para La abadía de Berzano) haya llegado hasta nuestros días (lo que no puede decirse de muchas otras).
Y es que, aunque parezca un elemento aislado de una película muda (al no ir en el propio negativo), si tenemos en cuenta la importancia que tiene la música en películas sonoras, qué podemos decir de una película muda cuya banda sonora se extiende durante todo el metraje y es el único audio que tiene, más aun cuando está supervisada por el propio director (quien no vio con buenos ojos que en los pases en Francia y Estados Unidos la película se acompañara de la obra de Wagner).

Y lo cierto es que ver Los Nibelungos sin oír la maravillosa música de Huppertz es hacerle un flaco favor a la obra.
El compositor clásico ayuda de una forma impresionante a conseguir el tono deseado por Lang, tanto en su aventura (los dos primeros capítulos con Sigfrido), como en su misterio (la conquista de Brunilda), en su drama (los últimos capítulos del relato), su emotividad (la llegada del hijo de Krimilda al banquete) y, por supuesto, en su épica (que impregna toda la obra) y acompaña a la historia adecuándose a ella de una forma impresionante y dando a Lang ese empujón que necesita para terminar de redondear su obra, como se ve en escenas como la llegada de Sigfredo a la cueva del tesoro, la marcha de Atila hacia Krimilda cuando ésta ha dado a luz o el intento de asesinato de Hagen Trojen en las escaleras; todas ellas con una combinación de imagen y sonido impresionante.

Así, Los Nibelungos no sólo es una de las mejores y más logradas películas de su director, una historia épica e hipnótica que en sus cinco horas de duración no se alarga en prácticamente ningún momento, sino una de las mejores obras fantásticas jamás hechas.

El último de la lista

2010-01-11T00:00:00.001+01:00

(The List of Adrian Messenger, 1963)

Entrar en el mundo del cine con una película como El halcón maltés (The Maltese Falcon, 1941) es una carta de presentación enormemente difícil de superar. Y lo cierto es que su director, John Huston, aun con algunas grandes películas en su haber, quizás nunca llegó a igualar lo que consiguió con la película protagonizada por Humprey Bogart.
Desde luego, no lo hizo con El último de la lista, pero está claro que no se lo propuso cuando la dirigió.

Anthony Gethryn (George C. Scott) investiga unas misteriosas muertes que giran en torno a un hombre de rostro cambiante (Kirk Douglas). ¿O serán varios hombres (Tony Curtis, Burt Lancaster, Robert Mitchum, Frank Sinatra)?

Vaya por delante, y ante todo, que El último de la lista es una película verdaderamente pequeña que simplemente ansía resultar simpática. Y lo consigue casi completamente.
El guión de Philip MacDonald y Anthony Veiller parte de un conjunto de ideas algo manidas pero hasta cierto punto atractivas y algún punto verdaderamente interesante (la fonética de la historia), y las junta y revuelve para conseguir un ameno thriller que, si es lo que es, se debe sin duda a la puesta en escena de Huston.

El director deja el guión casi en segundo plano y supedita el interés de la película a su factura visual y sus actores.
Tejiendo un logrado ambiente de misterio (tanto con la fotografía de Joseph MacDonald como con la simpática banda sonora de Jerry Goldsmith), Huston logra imprimir un buen ritmo a la cinta, haciéndola verdaderamente entretenida, y distribuyendo por ella a diferentes actores de moda caracterizados de las formas más estrambóticas (mención especial al legendario papel de Burt Lancaster) para dar un tono más enrarecido.

Con el peso sobre los hombros de ese genio de la actuación que es George C. Scott, El último de la lista es una película que se ve, se disfruta y se olvida con verdadera alegría.

Solomon Kane

2010-01-08T00:00:00.001+01:00

(2009)

Samuel Hadida es un productor de origen marroquí con una filmografía de coproducciones americano-europeas tan variada como insolita y que, en su irregularidad, ha terminado por asociar el nombre de Hadida a absolutamente cualquier posibilidad. Desde películas simplemente soberbias, como Buenas noches y buena suerte (Good Night, And Good Luck, 2005), hasta obras tan olvidables como La dalia negra (The Black Dahlia, 2006), pasando por productos la mar de interesantes como son El perfume – Historia de un asesino (Perfume: The Story of a Murderer, 2006), El imaginario del doctor Parnassus (The Imaginarium of Doctor Parnassus, 2009) o El aura (2005), sin olvidar sus tres colaboraciones con el más que capaz director francés Christophe Gans.

Así, por mucho que Solomon Kane parezca poco atractiva, la presencia de Hadida en la producción, un reparto con algunos actores a tener en cuenta (Max Von Sydow, Jason Flemyng o Pete Postlehwaite) y el hecho de que esté basada en una creación de Robert E. Howard; pueden hacernos pensar en darle una oportunidad.
Pero lo cierto es que, para sorpresa de nadie, lo que se esconde debajo de la última película de Michael J. Bassett es, cómo no, una increíble combinación de tópicos nuevos y viejos, dando una película de aventuras y fantasía cuanto poco olvidable.

Y es que, para no andarnos por las ramas, la historia es una acumulación de clásicos tópicos del género que podrían salvarse en manos de un director más competente y que no esté centrado, como parece Bassett, en hacer una versión de bajo presupuesto de El señor de los anillos o, peor todavía, Van Helsing (2004).
Solomon Kane respira una atmosfera ya demasiado vista en los últimos años, que considera que la maldad en una película debe representarse bien por unas imágenes cuanto más oscuras mejor, bien por paisajes azules, contando, faltaría más, con soldados vestidos y maquillados para parecer satánicos, o algo así.

Si a esto le unimos unas localizaciones que no aprovechan toda su espectacularidad (los lugares más destacables apenas sí salen dos planos en toda la película), una persistente y convencional banda sonora del cada día más irritante Klaus Badelt, y una fotografía aburridísima del por lo general muy interesante Dan Laustsen (cuyas colaboraciones para el antes citado Gans no son nada despreciables), lo que queda en Solomon Kane no es una película insoportable, pero sí un relato que termina resultando enormemente apático e indiferente, más aun sin lo comparamos con la correctísima adaptación que hizo en su día John Milius de la otra gran obra de Howard, Conan el bárbaro (Conan the Barbarian, 1982).

Número 9

2010-01-06T00:00:00.006+01:00

(9, 2008)

Ya hemos hablado alguna vez de cómo el cine de animación hecho por ordenador ha permitido la entrada de muchas productoras y directores en un mercado antes copado por unos pocos, con todas las cosas buenas y malas que ello conlleva.
Con la variedad que aportan estos recién (y no tan recién) llegados, el cine de animación puede enriquecerse o quedar estancado en una cadena de plagios sin fin que van a lo fácil, a lo ya visto.

Por ello, existía cierto interés, al menos por mi parte, por 9, el debut de Shane Acker en la dirección, al hablar de una película de animación que apuesta muy directamente por la acción y la ciencia ficción.
El argumento nos sitúa en un futuro donde la raza humana se ha autodestruido y lo único que sobreviven son curiosos muñecos de trapo, con números como nombre, que luchan contra extraños ingenios mecánicos.

La cinta se basa en un cortometraje también creado por Acker, una obra completamente muda y prácticamente sin argumento que buscaba ser una pequeña pieza de acción que deslumbrara visualmente.
A la hora de adaptar la obra a la pantalla grande la presencia de Pamela Pettler, coguionista de esas dos películas tan estimables que son Monster House (2006) y La novia cadáver (Corpse Bride, 2005), podría darnos ciertas esperanzas sobre la historia que íbamos a encontrar. Pero aquí llega el primero de los muchos fallos de 9.

El argumento, por llamarlo de alguna forma, no es más que un cúmulo de tópicos, situaciones mil veces vistas y personajes tan estereotipados que avanzan por lo que dictan las normas del género y no por el propio guión. Las historias de amistad y traición se dan tan rápidamente y de forma tan falsa y superficial que resultan por momentos verdaderamente desconcertantes.
Y la pretensión de dar voz a unos personajes originalmente mudos no tiene sentido cuando todo lo que dicen son verdaderas tonterías. Por supuesto, poco o nada ayuda a esto un casting (en versión original) lleno de famosos que no resultan ser más que un mero elemento promocional cuya voz no está a la altura, ni siquiera en el caso de Christopher Plummer, que demostró un hacer estupendo en Up (2009).

Visualmente, tampoco se puede decir muchas cosas buenas del trabajo de Acker, más allá de que intenta innovar en el cine de animación.
No cabe duda alguna de que 9 cuenta con unos diseños de decorados verdaderamente espectaculares y con alguna que otra buena idea visual, pero la obra falla en elementos cinematográficos básicos (tales como ritmo y tensión) y parece mucho más deudora del mundo de los videojuegos que del mundo del cine, empezando por unos gráficos que salen airosos a la hora de recrear bestias mecánicas pero evidencian sus fallos a la hora de mostrar seres humanos.

Así, tomando como referencia directa a la mucho más lograda y cinematográfica saga de videojuegos Oddworld, 9 es una carta de presentación que falla por todos lados, de la que apenas se pueden destacar los diseños y la banda sonora de Danny Elfman y Deborah Lurie (algo manida pero en general disfrutable).
Una cinta de acción que, debajo de un envoltorio supuestamente original, esconde algo que ya hemos visto muchas veces, sólo que ahora con muñecos de trapo.

Ranking 2000-2009

2010-01-04T00:00:00.008+01:00

Aunque existen ciertas discrepancias sobre si el periodo transcurrido entre el año 2000 y el año 2009 debe considerarse una década (que, probablemente, no), lo cierto es que, en términos cinematográficos, es en estos intervalos (desde el 0 hasta el 9) en los que se considera una película. Los 90 comienzan en 1990 y terminan en 1999. Los, podríamos decir, 00, comenzarón en el 2000 y terminaron hace cuatro días, y aquí están las que, a juicio del abajo firmante, son las 10 películas más destacadas de esos años.

Pozos de ambición (2007)
El siempre interesante Paul Thomas Anderson realiza una película fascinante en todo su metraje, una resurrección del espíritu de Stanley Kubrick, al que la escena final recuerda enormemente. Y eso siempre es bueno.

Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera (2003)
Kim Ki-duk, del que no he tenido la oportunidad de ver más obras, realiza una de esas películas que dejan huella, un relato profundo, emotivo y simplemente inolvidable.

United 93 (2006)
Paul Greengraas filma parte de la tragedia del 11 de Septiembre con tal intensidad, que es prácticamente imposible ver esta película sin temblar.

Requiem por un sueño (2000)
Darren Aronofsky hace el relato definitivo sobre las drogas y sus efectos, una experiencia aterradora.

Hijos de los hombres (2006)
Alfonso Cuarón demuestra que es uno de los directores más interesantes del panorama occidental reciente y hace la mejor película de ciencia ficción en mucho tiempo, con un inteligentísimo uso de los efectos visuales y unos planos elaboradísimos.

El laberinto del fauno (2006)
Con el apoyo del antes mencionado Cuarón (y del que parece haber tomado algunos elementos), Guillemo del Toro compone en España su obra más madura y completa hasta la fecha, un magnífico cruce entre drama y fantasía.

Malditos bastardos (2009)
Tarantino imprime a la Segunda Guerra Mundial su toque característico.

Buenas noches y buena suerte (2005)
George Clooney demuestra que no sólo es un gran actor, sino también un gran cineasta, y fascina con un relato sobre uno de los momentos más vergonzosos de la historia estadounidense reciente.

Olvidate de mi (2004)
Charlie Kauffman escribe una de las mejores películas románticas de los últimos años, que en su alocada premisa resulta mucho más real, cercana y emocionante que cualquier otra.

El viaje de Chihiro (2001)
Hayao Miyazaki hace la que es, probablemente, su mejor película. Eso es mucho decir.

Así, pues, esperamos ahora ansiosamente para ver qué nos deparan los próximos 10 años.

Blog Mortal 2009

2010-01-01T01:00:00.053+01:00

Recopilación de los artículos y desvaríos alegremente perpetrados durante el pasado año, incluyendo colaboraciones en blogs ajenos.

CINE

Ranking 2009

Artículos
Harry Potter. Las películas
Sam Peckinpah. Las películas
Elemental, querido Watson. Sherlock Holmes y el cine
The Thief and the Cobbler. Recobbled Cut
La vida privada de Sherlock Holmes

Críticas
101 Dálmatas
Algo pasa en Hollywood
Los apuros de un pequeño tren
Los aristócratas del crimen
Arma fatal
Arrástrame al infierno
Asalto al tren Pelham 1 2 3
Avatar
La balada de Cable Hogue
Bienvenidos a Zombieland
The Birthday
Bosque de sombras
The Box
Celda 211
El cerebro de un millón de dólares
Compañeros mortales
Clave Omega
Convoy
Los cronocrímenes
La cruz de hierro
Depredador
Distrito 9
Donde viven los monstruos
Duelo en la alta sierra
Frenesí
Funeral en Berlín
G. I. Joe
The Good, The Bad, The Weird
Grupo salvaje
Harry Potter y la piedra filosofal
Harry Potter y la cámara secreta
Harry Potter y el prisionero de Azkaban
Harry Potter y el cáliz de fuego
Harry Potter y la orden del fénix
Harry Potter y el misterio del príncipe
El héroe solitario
La huida
Inglourious Basterds
Invasión
La invasión de los ladrones de cuerpos
La invasión de los ultracuerpos
Ipcress
JFK
Kiss Kiss Bang Bang
Lluvia de albóndigas
Lobos humanos
Malditos bastardos
Mayor Dundee
La noche del demonio
Pagafantas
Pat Garrett y Billy el niño
Pelham uno, dos, tres
Perros de paja
El puente sobre el río Kwai
Quiero la cabeza de Alfredo García
Reservoir Dogs
El rey del rodeo
Secuestradores de cuerpos
El señor de los anillos
Spanish Movie
El tren de las 4:50
Up
Zodiac

MÚSICA
V Festival internacional de música de cine "Ciudad de Úbeda"
Alleluia and Fugue
'Antar' Symphony
Cello Concerto
Fantasía on a Theme by Thomas Tallis
Flos campi
In the Hall of the Mountain King
Itoiz Suite
Little Birdie
The Running Set

COMIC
20th Century Boys
Bone
Hellboy
Monster
Pluto

VIDEOJUEGOS
Uncharted

COLABORACIONES EN OTROS BLOGS
Alien, la sinfonía biomecánica
Indiana Jones y el chisme interdimensional. Parte I
Indiana Jones y el chisme interdimensional. Parte II
Sonoridad del cine mudo

Ranking 2009

2009-12-30T00:00:00.011+01:00

-

Malditos bastardos
Tarantino propone una ficción bélica tan cómica como dramática. Una de las películas más frescas de su director.

Ponyo en el acantilado
Miyazaki combina su etapa más intimista y reflexiva con la más bizarra y delirante, y aunque no hace su mejor película, nos da algunos momentos memorables.

Up
Pixar hace una película de aventuras cargada de sabor clásico.

Los mundos de Coraline
Henry Sellick revisiona una historia ya vista, con un poderío visual impresionante.

Déjame entrar
Una de las mejores películas de vampiros de los últimos años. Más un (brillante) drama que una película de terror.

Gran Torino
Clint Eastwood se despide de su personaje típico, con una película que, a pesar de ciertos elementos de telefilme, destaca.

Distrito 9
Ciencia ficción con mensaje social y una perfección técnica impresionante.

Slumdog Millionaire. ¿Quién quiere ser millonario?
Una puesta en escena excesiva, llena de colores y delirios visuales, para contar una historia de las de toda la vida.

Bienvenidos a Zombieland
Zombies con sentido del humor y un Woody Harrelson simplemente prodigioso.

Pagafantas
Comedia entrañable con algún momento memorable.

Celda 211
Drama carcelario con un pequeño tono de telefilme, pero ciertos detalles verdaderamente impactantes.

El imaginario del doctor Parnassus
Terry Gilliam en estado puro y la última interpretación de Heath Ledger. Eso debería servir.

Arrastrame al infierno
Vuelve el Sam Raimi excesivo, delirante y con humor negro a expuertas.

El soplón
Dejándo su faceta más experimental o dramática al margen, Steven Soderbergh hace una comedia que podría haber sido mucho más, pero que consigue entretener lo suyo.

Lluvia de albóndigas
A pesar de sus convencionalismos, su humor disparatado y sus grandes diseños la salvan.

Valkiria
Una de las películas más problemáticas del año termina siendo un filme correctísimo aunque muy intrascendente.

[Rec] 2
Rec se convierte en un shooter en primera persona; todos los diálogos sobran.

Harry Potter y el misterio del príncipe
Una factura visual diferente esconde un guión que deja mucho que desear, pero entretiene en sus dos horas y media de metraje.

Donde viven los monstruos
Spike Jonze no hace una película tan brillante como cree, pero igualmente tiene unos cuantos aciertos.

El curioso caso de Benjamin Button
La película más floja de David Fincher es la que le vale una nominación al Oscar. Buenos efectos visuales y 30 minutos muy buenos en una película de casi tres horas no especialmente destacables.

¡Que muerto me ha caido!
David Koepp hace una comedia intrascendente pero superior a la media del género.

Ángeles y demonios
Ron Howard hace una película mala pero endiabladamente entretenida, gracias sin duda a la labor como guionista del antes mencionado Koepp.

G. I. Joe
La película de los Geiperman hace honor al espíritu de sus muñecos. Si eso es bueno o malo, decíndanlo ustedes.

Radio encubierta
Richard Curtis se queda muy lejos de su anterior película, Love actually, y hace algo medianamente simpático pero enormemente convencional.

El desafio. Frost contra Nixon
El Ron Howard ambicioso y supuestamente artístico hace una película monótona y mucho menos inteligente de lo que se piensa.

Los hombres que no amaban a las mujeres
Thriller europeo al uso. No tiene garra pero tampoco aburre.

Spanish Movie
Chistes disparatados, muchos de ellos copiados de obras mejores, para una película que se considera revolucionaria por copiar una formula extranjera. La referencia a Los cronocrímenes la salva.

Transformers: La venganza de los caidos
Por alguna razón, Michael Bay piensa que una película sobre robots alienigenas que pelean debe durar más de dos horas y media y debe tener un argumento repetitivo y alargado.

Star Trek
J. J. Abrams quiere reiniciar la famosa saga con una cinta con un guión aburrido y un aspecto de telefilme que espanta.

Watchmen
Adaptación literal de la genial obra de Alan Moore, saltandose porque sí todas las normas de narración cinematográfica.

Avatar
Enésima revisión de la historia de Pocahontas, ahora atiborrada de efectos visuales y sin prácticamente ningún interés.

Algo pasa en Hollywood
Aburrido relato sobre lo malos que son todos con los productores de Hollywood.

Ice Age 3: El origen de los dinosaurios
Sucesión de gags sin sentido ni gracia, hilvanados de la forma más simplona posible.

Monstruos contra alienigenas
Premisa simplemente brillante para un desarrollo vergonzoso.

Asalto al tren Pelham 1 2 3
Tony Scott decide filmar una historia ya hecha, sólo que peor.

Duplicity
El irregular Tony Gilroy, que lo mismo escribe Armaggedon, que El ultimatum de Bourne, que dirige Michael Clayton, hace en su segundo largometraje un batiburrillo sin gracia de cosas ya muy vistas.

The International
Tom Twiker quiere homenajear al cine de espía de los años 70 y, a veces, hasta le funciona.

La pantera rosa 2
Tan mala como parece, e incluso peor.

Señales del futuro
Por momentos película de terror, por momentos película de ciencia ficción; insoportable todo el rato,

The Box
Richard Kelly mezcla su vena más delirante con su estilo más comercial, aunando lo peor de ambos.

Ágora
Alejandro Amenabar pretende hacer una película épica, pero la llena de eslóganes sin sentido y de estereotipos andantes.

Dragonball Evolution
Poco o nada tiene esta película que ver con la obra original de Toriyama. Por lo demás, es enormemente olvidable.

Los sustitutos
Jonathan Mostow hace su peor pelicula con uno de los peores Bruce Willis de los últimos años.

Terminator Salvation
Sinsentido con muchos efectos visuales y motos terminator.

Push
Amalgama entre Heroes, X-Men y sabe Dios qué más.

X-Men Origenes: Lobezno
Una de las peores películas basadas en el universo Marvel.

Street Fighter. La leyenda
Tan mala que casi merece estar en el primer puesto de esta lista.

El señor de los anillos

2009-12-28T00:00:00.009+01:00

La comunidad del anillo (The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, 2001)

Las dos torres (The Lord of the Rings: The Two Towers, 2002)
El retorno del rey (The Lord of the Rings: The Return of the King, 2003)

Hace ocho años, Hollywood inició una de esas modas cinematográficas que llevan a coger una formula que ha funcionado y repetirla hasta que pierda sentido y quede terriblemente deteriorada.
Cuando se estrenaron La comunidad del anillo y Harry Potter y la piedra filosofal (Harry Potter and the Sorcerer's Stone, 2001), la industria del cine decidió echar mano de cualquier novela, historia o elemento fantástico que pudiera, para sacar su propio Señor de los anillos personal, quedándose más bien con olvidables y olvidados productos como Eragon (2006).
Así, a día de hoy, la trilogía de los anillos y la saga del joven mago (aun en desarrollo) son las que mejor han resistido el paso del tiempo.

En su día, la reacción del espectador medio al oír que el director de Braindead: tu madre se ha comido a mi perro (Braindead, 1992) iba a ser el encargado principal de llevar la trilogía de novelas de J.R.R. Tolkien a la pantalla grande, fue, cuanto menos, de desconcierto. No era para menos, pues tal labor estaba en manos de alguien que nunca se había enfrentado a una superproducción.
Pero lo que Peter Jackson sí tenía era energía, una enorme ilusión por lo que hacía y un respeto profundo por las novelas originales, y estaba dispuesto a trasladarlas a la gran pantalla como una gran película dividida en tres.

Alejado del mundo de Hollywood y rodando en su querida Nueva Zelanda, el director aglutinó a toda una serie de técnicos y artistas, que iban desde los dibujantes especializados en fantasía Alan Lee y John Howe, hasta el experto en manejo de espada Bob Anderson, pasando por un compositor musical especializado en películas oscuras, un equipo de efectos visuales que daba sus primeros pasos y unos actores llegados de todas partes del globo (todos ellos, correctos pero sin destacar).
Juntos, consiguieron hacer de la trilogía, no sólo un proyecto de gran envergadura, sino una obra con un estilo claramente diferente a otras vistas.

El señor de los anillos es, desde el punto de vista técnico y de producción, una labor impresionante. Que una trilogía tan épica se realizara con menos de 300 millones es del todo elogiable, más aun si tenemos en cuenta la perfección de algunos de sus elementos.
Con la colaboración de Howe y Lee, especializados en el mundo de Tolkien, así como de otros asesores y de labores de indagación, Jackson y su equipo dotan al vestuario, los decorados, las localizaciones y el maquillaje de la trilogía de una gran belleza y realismo, un trabajo absolutamente impecable.

Ayudando a estos elementos está la presencia casi constante de los efectos visuales, que a lo largo de toda la saga oscilan desde lo sublime hasta lo fallido. Y aunque en general funcionan y a día de hoy son necesarios para llegar a la épica que propone el relato (intentar recrear las batallas sin efectos es tan caro como imposible), lo cierto es que su presencia constante hace perder impacto a ciertos momentos que carecen de un tono más físico y tangible.

Para completar la labor audiovisual, y como elemento indispensable para llegar a la ambientación de la Tierra Media, encontramos la irregular fotografía de Andrew Lesnie, que carece del talento de otros grandes genios del oficio, pero logra salir más o menos airoso de la tarea con sus aciertos (las minas de Moria); y, por otro lado, la partitura musical de Howard Shore, que sin alcanzar la calidad de los buenos trabajos de John Williams (por ejemplo), destila el estilo característico del compositor, consiguiendo dar a la película esa sonoridad tan peculiar y por momentos memorable.

La labor de Peter Jackson en todo este magnoproyecto no deja de ser encomiable.
En su faceta de productor, el neozelandés logra sacar el máximo partido a todos sus colaboradores.
En su faceta de guionista, junto con Fran Walsh y Philippa Boyens, realiza una adaptación bastante efectiva, que sabe cuando ser original y cuando seguir el libro de Tolkien, si bien a veces peca de demasiado literal.
En su faceta de director, no brilla especialmente, pero no está exento de cierto interés.

Por un lado, El señor de los anillos saca un gran partido de las localizaciones y exteriores, sabe narrar las escenas de acción más que correctamente (las batallas finales de la segunda y tercera película), incluye algunos detalles ya míticos (los planos generales giratorios) e incorpora, por qué no apreciarlo, elementos de la etapa más bizarra del director que no dejan de otorgar a las cintas cierta peculiaridad y originalidad (como en el breve y delirante papel de Boca de Sauron en la versión extendida).
Por otro lado, la película, con su proliferación de primeros planos, su cuestionable decisión de reducir digitalmente a ciertos miembros del reparto (que en talento son superados por prácticamente todo el reparto de Willow, que sí tenía la altura correcta) y cierta falta de garra y talento para hacer de El señor de los anillos una obra redonda (no nos engañemos, el relato no llega ni a la suela de los zapatos del David Lean más épico), lastran las tres cintas.

Aun así, Jackson sabe reflejar, no cabe duda, el espíritu de aventura del relato (especialmente en la tercera parte), su emotividad, su humor, su dramatismo... Y, al final, El señor de los anillos es una trilogía que, para bien o para mal, pasará a la historia del cine, y que si bien no aprovecha todo su potencial, si resulta un logrado, entretenido y emotivo viaje por toda la Tierra Media.

101 dálmatas

2009-12-25T00:00:00.000+01:00

(One Hundred and One Dalmatians, 1961)

TRAILER

Walt Disney gozó durante muchos años de una posición privilegiada en el mundo de la animación.
Su creador, el tío Walt o como ustedes gusten de llamarlo, aparte de ser una figura con toda clase de rumores a su alrededor (que está criogenizado, que era un tirano, que era un nazi, que era de Mojácar...) era un enamorado de las historias de toda la vida, con gran pasión por películas como La bella durmiente (Sleeping Beauty, 1959).

Curiosamente, pese a todas las grandes obras que dio su factoría durante aquellos años, algunas de las mejores son, precisamente, las que menos se adecuaban a su gusto.
Películas tan entretenidas como Los aristogatos (The Aristocats, 1970) o tan geniales como El libro de la selva (The Jungle Book, 1967), Robin Hood (1973) o esta 101 dálmatas, se salían de ese tono para darnos unos protagonistas más canallas, acompañados de una animación menos romántica.

Esta es una de esas películas que me es absolutamente imposible ver sin una sonrisa. Y es que, con unos primeros 15 minutos espléndidos, es un relato enormemente divertido y enérgico.
Aupado por una estupenda partitura musical de George Bruns y con una animación, diseños y colores simplemente impresionante, como era habitual en las películas Disney de la época, 101 dálmatas consigue sobreponerse a sus fallos (tiene un clímax endeble, algo habitual en las producciones animadas de la época) para convertirse en un film enormemente entrañable y entretenido.

Avatar

2009-12-23T00:00:00.003+01:00

(2009)

James Cameron es uno de esos directores que, si bien nunca brillantes, siempre solían tener cierto interés. Sus películas eran entretenidas y presentaban algunos hallazgos interesantes.
Entonces llegó Titanic (1997), filme entretenido pero vacío, que le convirtió, como él mismo gritó en la gala de los Oscar, en el rey del mundo. Era una cita de la película, sí, pero el hecho de que Cameron la utilizara parecía dejar entrever un ego desproporcionado.
Avatar llega 12 años después de aquella, y nos ha sido presentada como una revolución del cine moderno. Permítanme que lo dude.

Vaya por delante que estoy seguro de que Cameron ha desarrollado un sistema de captura de movimiento y renderización de gráficos sin precedente cuyo potencial en el terreno de la tecnología de cines tridimensional es apabullante. Eso sí, no tengo ni la más remota idea de qué significa esto.
El principal problema de Avatar es que esta tan cacareada revolución no se encuentra ni en el fondo ni en la forma.

Esto, tal cual, no es especialmente criticable; lo mismo se puede decir de muchas otras películas enormemente entretenidas.
El tema es que la cinta que nos ocupa tiene una ambición desmedida para sus escasos méritos y su pobre imaginación.

El argumento que cuenta Cameron está ya demasiado visto, es aquí adecentado con estereotipos andantes (más que personajes) y una delirante sensación de trascendencia (que elimina por completo cualquier posibilidad de entretenimiento), y posee un mensaje ecológico-social tan evidente y burdo que por momentos duele.
El canadiense no consigue emocionar lo más mínimo, sino que confunde y basa todo su atractivo en llenar la película de cuantos más efectos digitales mejor, para ver si así resulta espectacular, cayendo unas cuantas veces en lo irrisorio.

Ni siquiera en esta sobredosis de efectos y personajes variados resulta Avatar una película a recordar. Emperrada en revolucionar la tecnología, el arte se deja de lado. Carente de la imaginación de muchos otros directores actuales, Cameron toma elementos vistos en muchos otros sitios y añade una o dos pequeñas variaciones para darle su toque (los ridículos caballos de seis piernas).

Ni en otros aspectos que no sean los efectos visuales consigue Avatar destacar; ni en la monótona y aburrida fotografía de Mauro Fiore, ni en la aburrida y enormemente repetitiva partitura de James Horner.

Así, el éxito y la calidad de la nueva película de James Cameron se ha dejado por completo al departamento de efectos visuales que, sin duda, ha hecho una labor colosal, pero no consigue enterrar, por mucho que se empeñen, todos los fallos de Avatar.

Donde viven los monstruos

2009-12-21T00:00:00.003+01:00

(Where the Wild Things Are, 2009)

Spike Jonze es un director difícil de catalogar, de eso no hay duda. Sus películas, como también le sucede a Michel Gondry, irradian esa extraña atmósfera no demasiado habitual en el cine actual.
Así, a la delirante y genial Cómo ser John Malkovich (Being John Malkovich, 1999) y a la fallida pero interesante Adaptation. El ladrón de orquídeas (Adaptation., 2002) se les une ahora Donde viven los monstruos, un proyecto verdaderamente desconcertante viniendo de quien viene.

Y es que la historia que la película cuenta parece algo convencional, especialmente en comparación con las otras obras de Jonze.
Max es un niño que, en un ataque de ira, se marcha de casa y llega a una isla extraña habitada por seres monstruosos.

Uno esperaría que este argumento diera para algo diferente a lo que el cine nos tiene acostumbrados, estando Jonze detrás. Y, en efecto, así es.
La mano de su director en una historia como esta la acerca en su mensaje más a la delirante y brillante escena final de Los héroes del tiempo (Time Bandits, 1981) que al forzado y complaciente final de Dentro del laberinto (Labyrinth, 1986).
La visión de la infancia que nos da el director es más anárquica, desencantada y, hasta cierto punto, realista, de lo que estamos acostumbrados. Pero esto por sí sólo no tiene por qué ser bueno.

Y es que la emotividad (la relación con los monstruos), la perfección técnica (la genial combinación de CGI con maquillaje) y ciertas escenas memorables (la llegada a la isla) son indicios de que existe una película con un mayor potencial del que ha alcanzado.

Por un lado, el guión cae por momentos víctima de su propia anarquía y presenta algunas escenas innecesariamente alargadas y hasta cansinas (100 minutos son demasiados para una cinta así).
Por otro lado, en su intención de darnos una visión diferente y más cercana de lo que pueden ser grandes producciones con efectos especiales, Jonze decide, sabe Dios por qué, enterrar toda la película en un tono indie que juega en contra de la obra. Si bien algunas cosas pueden beneficiarse de este estilo cinematográfico distinto (tal como la fotografía, alejada de los cánones para este tipo de filmes), otras, como la música, son realmente cansinas.

En este sentido, en lugar de aprovechar la sonoridad que una película así entraña, Donde viven los monstruos está sumergida en canciones indie compuestas por Karen O., que son más elementos masturbatorios del propio Jonze que un vehículo para narrar la historia, y que acaban haciendo que el espectador aprecie enormemente los dos o tres minutos en las que no hay una canción sonando de fondo.

Así, no cabe duda de que Donde viven los monstruos es una buena película, pero, enterrada en una aureola de autoimportancia, no consigue ser tan buena como pretende, por mucho que tenga potencial y grandes ideas.

Colaboraciones musicales

2009-12-18T00:00:00.003+01:00

En una de esas entradas diseñadas de forma ergonómica para llenar espacio, me limito a remitirles a La abadía de Berzano y los dos artículos sobre música cinematográfica con los que colaboré.

Alien, la sinfonía biomecánica

La sonoridad del cine mudo

Los apuros de un pequeño tren

2009-12-16T00:00:00.000+01:00

(The Titfield Thunderbolt, 1953)

Los Ealing Studios marcaron una de las mejores etapas del cine inglés (si no la mejor), entre los años 40 y 50.
Con un grupo de directores, guionistas, músicos, fotógrafos y actores habituales, sus películas, con un tono profundamente británico, son ya legendarias, como El quinteto de la muerte (The Ladykillers, 1955), Al morir la noche (Dead of night, 1945) o Scott of the Antarctic (1948).

Cuando el tren de un pequeño pueblo va a ser retirado, los habitantes se unirán para comprarlo y mantenerlo ellos mismos.

Los apuros de un pequeño tren se enmarca en esa faceta de Ealing que, con un tono costumbrista, narra las locas aventuras y desventuras de un grupo de ciudadanos, muy en el estilo de la delirante Pasaporte para Pimlico (Passport to Pimlico, 1949); una de esas historias pequeñitas pero enormemente simpáticas que saben dejar al espectador con una sonrisa de oreja a oreja, tanto por su sentido del humor (la caza de perdices desde la locomotora) como cierta emotividad (las colaboraciones para mantener el tren en marcha).

Así, los personajes peculiares se adueñan de la pantalla durante 80 minutos y viven toda clase de aventuras, a veces demasiado alocadas (el robo del tren), pero siempre divertidas y en ocasiones memorables.
El simpático George Relph lleva el peso de la historia central con perfección, Nauton Wayne realiza el papel de secundario que tanto perfeccionó en películas como Alarma en el expreso (The Lady Vanishes, 1938) y Stanley Holloway se descontrola que da gusto (no hay más que ver su primera escena en la taberna). Entre todos ellos, consiguen hacer que la película suba unos cuantos escalones.

Los peldaños que quedan se recorren de la mano de Charles Crichton, director de la genial Un pez llamado Wanda (A Fish Called Wanda, 1988), y que ya había dirigido para la Ealing Clamor de indignación (Hue and Cry, 1947), con estupendos resultados.
La película encuentra una baza en su ambientación, que sumerge al espectador en la campiña inglesa con un gran uso del sonido (atención a la perfecta dosificación de la música) y una estupenda fotografía de ese genio que es Douglas Slocombe, entre cuyos trabajos más destacados cabe encontrar la trilogía de Indiana Jones y Un trabajo en Italia (The Italian Job, 1969).

Al final, Los apuros de un pequeño tren es justo lo que parece, una afable historia costumbrista que sabe como hacer reír y entretiene a la perfección.

El puente sobre el río Kwai

2009-12-14T00:00:00.000+01:00

(The Bridge on the River Kwai, 1957)

David Lean es uno de esos (pocos) directores cuya carrera sólo puede ser definida como extraordinaria. Que de sus 16 películas sólo haya una que pueda ser considerada mala (o monótona), La barrera del sonido (The Sound Barrier, 1952), y casi una decena que son verdaderamente brillante, es, cuanto poco, impresionante.

Empezando su carrera junto al autor teatral, guionista de cine, novelista, actor, director, músico (y sabe Dios cuantas cosas más) Noel Coward, con quien codirigió la espectacular Sangre, sudor y lágrimas (In Wich We Serve, 1942), Lean elevó el cine inglés con películas tan recordadas como Breve encuentro (Brief Encouner, 1945) u Oliver Twist (1948), antes de dar el salto a un cine más grande y espectacular con la película que nos ocupa.

Ésta, que narra la estancia de un batallón inglés en una prisión japonesa en la Segunda Guerra Mundial, da inicio a la etapa más espectacular, brillante y recordada de su director, en la que también se inscribe esa absoluta maravilla que es Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia, 1962).
Lo cierto es que el genio del inglés se respira en cada fotograma de El puente sobre el río Kwai, todo un ejemplo de dirección y ambientación, al servicio de un guión de esos de quitarse el sombrero.

Situado en la zona japonesa de la guerra, menos vista en el mundo del cine, la historia presenta una situación poco habitual con unos personajes cuya evolución impresiona. Y es que aunque por momentos pueda antojarse algo convencional (especialmente en todo lo que concierne al personaje del americano, correctísimo William Holden), no por ello malo, donde la historia resulta memorable es en el personaje del inglés, encarnado con su habitual genialidad por Alec Guinness (fetiche de Lean) y en su progresivo cambio; alrededor del cual giran actores tan capaces como Jack Hawkins o James Donald.

Esta historia, que se permite también tener tanto drama como humor y cierta emotividad, está visualizada por Lean como sólo él sabe hacer. Con un prodigioso sentido para la planificación y contando con la inestimable labor fotográfica de Jack Hildyard, el británico crea una película con una ambientación verdaderamente espectacular, valiéndose no sólo de unas localizaciones increíbles, sino de un acertadísimo uso del sonido, copado por efectos sonoros y que relega la banda sonora de Malcolm Arnold a momentos puntuales sin hacerle perder ni un ápice de su fuerza (sirva como ejemplo la estupenda escena con Guinness paseando por el puente).

Así, poco o nada es realmente criticable en El puente sobre el río Kwai, y mucho es elogiable. Una de las obras imprescindibles de su director, una de las mejores películas bélicas jamás hechas y, por qué no, una de las mejores obras de la historia del cine.

Algo pasa en Hollywood

2009-12-13T00:00:00.002+01:00

(What Just Happened, 2008)

Partiendo del hecho de que debemos a Levinson eterna gratitud y devoción por sus guiones para las películas de Mel Brooks La última locura (Silent Movie, 1976) y Máxima Ansiedad (High Anxiety, 1977), como director ha sabido dar películas tan entretenidas como El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes, 1985) o tan brillantes como La cortina de humo (Wag the Dog, 1997).
Su principal problema es que es un director completamente supeditado a su guión, sacando una gran película si es éste es brillante, hundiéndose con ella si es malo.
Ello no quita para que, como Philip Kaufman, sepa dar cierto atractivo a sus proyectos, por malos que estos puedan ser, baste como ejemplo la por momentos bizarra El hombre del año (Man of the Year, 2006).

Algo pasa en Hollywood adapta las memorias de Art Linson, productor de Los intocables de Elliot Ness (The Untouchables, 1987) o El club de la lucha (Fight Club, 1999), desde una perspectiva supuestamente crítica y humorística que escribe el propio Linson.

Con Levinson dirigiendo, partiendo de una vida tan potencialmente jugosa como es la de un productor de cine, y contando con un reparto de esos que destacan, con Robert De Niro, Catherine Keener, John Turturro, Stanley Tucci, Michael Wincott, Bruce Willis (éste, carismático como él solo, encarnándose a sí mismo), Robin Wright Penn y Sean Penn; uno esperaría de este trabajo una película de esas que se diferencian del resto.
Pero esto no es así.

Y es que todo este cúmulo de talento se pone a disposición de un relato de Linson sobre lo difícil que es ser él, que echa una visión de Hollywood ya muy vista y sin garra alguna, salvo por alguna subtrama curiosa (Willis y su barba).
Todos los entresijos del mundo del cine están a años luz de los mostrados en Bowfinger: El pícaro (Bowfinger, 1999), El juego de Hollywood (The Player, 1992) o incluso The Majestic (2001), y son visualizados por Levinson con su habitual corrección y algún que otro detalle genial (la banda sonora a partir de la música de la película ficticia) que consigue sacar alguna sonrisa, pero es del todo insuficiente para sacar a flote una historia que hace aguas.

Al final, algo pasa en Hollywood es una película que produce una sensación de indiferencia en el espectador, que al salir del cine se pregunta si la película ha aportado algo más que 100 minutos perdidos. Y a veces eso es peor que hablar de una mala película.

Lluvia de albóndigas

2009-12-11T00:00:00.003+01:00

(Cloudy with a Chance of Meatballs, 2009)

De un tiempo a esta parte, el cine de animación ha pasado de dibujos en 2D a gráficos tridimensionales. Con este paso, nuevas productoras han llegado al terreno de la animación, y lo que antes era un a industria controlada por Disney y sus irregulares (a veces soberbios, a veces terribles) clásicos, ha pasado a estar dominada por la todopoderosa y algo sobrevalorada Pixar, secundada por la terrible Dreamworks, cuyo trabajo más destacado hasta la fecha ha sido Kung Fu Panda (2007), y con eso lo digo todo.

Pero existen otras productoras que también prueban suerte en el terreno, algunas apostando con películas que se salen de la media, como la brillante Los mundos de Coraline (Coraline, 2009), otras amoldándose a las modas, como la antinaturalmente extendida saga que recientemente nos dio Ice Age 3 (2009), y otras a medio camino, como la nunca suficientemente valorada Monster House (2006).

Lluvia de albóndigas se enmarca en este último tipo. A medio camino entre la moda y la personalidad, lo que inicialmente iba a ser un proyecto en 2D, fue hecho en animación por ordenador por eso de que es la moda, y posteriormente amplificado con el sistema 3D que ahora muchas personas parecen creer que puede compensar un mal guión.

Phil Lord y Chris Miller, dos de los genios tras Cómo conocí a vuestra madre (How I Met Your Mother, 2005), levantan esta película que más que limitarse a copiar a Shrek (2001), como hacen otras, bebe de lo clásico, tanto para bien como para mal.
Lluvia de albóndigas está plagada de un humor, unos diseños y un colorido visual que nos retrotraen al loco mundo de los Looney Tunes (por ejemplo, con el diseño de Manny), con gags disparatados, y que alcanza su cenit con un divertidísimo climax que se permite tanto parodiar películas de catástrofes como aludir a las difíciles relaciones de la gente con la informática.

Por otro lado, el argumento de la película sorprende no por su sencillez, lo que sin duda habría sido una ventaja, sino por su convencionalismo, por esas situaciones con un sorprendente peso en la trama, que a veces consiguen funcionar, pero muchas otras lastran la película con unos tópicos algo cansinos que no aportan realmente nada nuevo.

Aun así, Lluvia de albóndigas consigue erigirse sobre otros productos animados (y no animados) de este año por sus cuidados diseños, su uso del color, su acertado casting en versión original (el papel de Neil Patrick Harris como Steve es brllante)... Y, al final, porque da 80 minutos verdaderamente divertidos.

Spanish Movie

2009-12-09T00:00:00.004+01:00

(2009)

Tras años en los que el cine español gozaba de su mala fama por sus dramas constantes de padres divorciados con hijos drogadictos o sus comedias casposas, películas de género se han ido haciendo notar cada vez más. Al punto positivo que supone la variedad fílmica se une la contrapartida de que las películas de género que reúnen toda clase de tópicos criticados en producciones extranjeras son tomadas aquí como productos únicos.
Así llega Spanish Movie, que, a la sombra de películas tan mediocres como Epic Movie (2007), parece en nuestro cine como una película a destacar.

El argumento de la cinta, si es que existe, es una acumulación de situaciones vistas en las películas españolas más famosas, desde un prisma de humor disparatado.
Nacida a la sombra de un género que se retrotrae a Aterriza como puedas (Airplane!, 1980), la comedia de Javier Ruiz Caldera utiliza los éxitos más recientes del cine patrio para dar un humor que funciona por repetición, por disparatado o que no funciona en absoluto.

Y es que, como un gag alargado o una coña a la salida del cine hiperpresupuestada (técnicamente, la película hasta sorprende), Spanish Movie presenta un humor sencillo, algunos dirían simplón, que no busca parodiar un tipo de cine en general tanto como películas en particular, lo que extiende su gracia tanto como la gente recuerde esas obras parodiadas (que, en algunos casos, será bien poco) y prácticamente la elimina en su segundo visionado.

Así, el humor facilón y hasta efectivo de la película va a lo seguro y desaprovecha la oportunidad de una sana visión crítica del cine nacional.
Y aun a pesar de esto, consigue hacer gracia en ciertos momentos y hasta resulta entretenida a ratos.

Dejando de lado los chistes escatológicos y sin gracia, la película recurre a cierto humor disparatado del de toda la vida y consigue hacerse algo simpática aunque sólo sea por su desfile de cameos famosos, su inesperada referencia a Los cronocrimenes (2007) o la imprescindible y siempre bienvenida mención a la polivisión.

El héroe solitario

2009-12-07T00:00:00.003+01:00

(The Spirit of St. Louis, 1957)

Billy Wilder pasó a la historia como uno de los mejores directores de la historia, con obras maestras como La vida privada de Sherlock Holmes (The Private Life of Sherlock Holmes, 1970), El apartamento (The Apartment, 1960), Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot, 1959) o Perdición (Double Indemnity, 1944).
Con el ingenio, la agudeza y el talento del austriaco, contar la historia de cómo Charles Lindbergh realizó con éxito el primer vuelo entre Nueva York y Paris (es decir, hacer un biopic de los de toda la vida) parecía una decisión algo peculiar y hasta cierto punto fallida.

Así, partiendo de que El héroe solitario es una de las películas menos personales y más convencionales de Wilder, uno no puede negar sus cualidades. Es un film menor, sí. Pero en una filmografía llena de obras maestras, eso puede ser casi un cumplido.

Las 33 horas de vuelo transoceánico, así como toda su preparación, se encuentran en esas historias de superación personal que tanto gusta llevar a los Oscar.
Pero quizás por lo fascinante de la hazaña, quizás por la labor maestra de Wilder, la película, dentro de su convencionalismo, consigue erigirse como una obra nada despreciable, con humor, drama y aventura.

Las pequeñas vivencias de Lindberg (encarnado con su habitual corrección por James Stewart) componen una película de capítulos, pequeñas aventuras con unas dosis de ingenio que dejan traslucir la mano de su director en el guión: la llegada de Lindberg al taller, las lecciones de pilotaje del cura o la escena en la escuela de aviación, si bien lejos de ser escenas soberbias, están cargadas de un humor que no puede mas que despertar simpatía por todo el relato.

Pero como Wilder no sólo es un gran director de comedias, sino un gran director en general, El héroe solitario también sabe destacar en esos momentos más espectaculares y tensos (especialmente en todo el vuelo, magnificamente rodado), gracias al portentoso talento visual del director y a la destacable labor de sus colaboradores.
La bellísima música de Franz Waxman acompaña a los momentos más memorables (desde los títulos de crédito hasta las escenas de vuelo) y la atmosférica y lograda fotografía de J. Peverell Marley y Robert Burks saca un partido brutal de los exteriores y nos descubre unas escenas nocturnas y neblinosas (el despegue, el capitulo del correo) verdaderamente fascinantes.

Así, El héroe solitario es una película olvidada al palidecer en comparación con la filmografía de su autor, pero, aun siendo una obra menos personal, es una cinta endemoniadamente entretenida, verdaderamente simpática y con momentos de tensión que saben dejar un buen sabor de boca.

Inglourious Basterds

2009-12-04T00:00:00.003+01:00

(2009)

Recuerden que, como ya comenté en su día, Inglourious Basterds no es Malditos bastardos.

Entre la estupenda Jackie Brown (1997) y las sobrevaloradas Kill Bill: Vol. 1 (2003) y Kill Bill: Vol. 2 (2004) pasaron seis años en los que la filmografía de Quentin Tarantino dio un curioso giro de 360 grados, cambiando su forma pero dejando su fondo invariable.
A diferencia de Pulp Fiction (1994) o Reservoir Dogs (1992), esta nueva etapa evidencia las referencias de su director y las lleva al propio estilo de la película, tomando de esos filmes admirados no sólo elementos concretos (como era el caso de sus primeras películas) sino su mismo estilo y género.
Así, en Kill Bill vemos un filme en el que su a unos diálogos chispeantes o absurdos, depende de cómo quieran verlos, se añadían ahora otros elementos, tales como masacres varias y luchas de kung fu, en todo un guiño al cine oriental y al western italiano.

Con Death Proof (2007), componente de Grindhouse estrenado por separado, el director homenajeó a otro género diferente, más en la tónica de las películas de bajo presupuesto de asesinos en serie.
El tema es que, quizás con un aumento desproporcionado de su ego, el bueno de Quentin fue incapaz de dejar su soberbia al mínimo y no la supeditó a la historia, caso de sus anteriores trabajos, sino que la sacó a plena vista, con diálogos que al abajo firmante se le antojaban tontos y cansinos, para que todos admiráramos su conocimiento descontrolado.

Pero lo bueno de los gustos variopintos de Tarantino es que no le enmarcan especialmente en un estilo delimitado (como si le pasa a Tim Burton) y hace en Inglourious Bastards un producto que sabe adaptarse a los requerimientos de su condición (cine bélico) pero sin perder ni un ápice de su estilo y su personalidad. Y es que, como sucede con Woody Allen, una obra de Quentin Tarantino se reconoce ya desde los títulos de crédito.

Tomando como referencia no los dramas históricos sino las películas bélicas con un tono más desenfadado, como Doce del patíbulo (The Dirty Dozen, 1967); Inglourious Basterds cuenta, no nos vamos a complicar, el alzamiento de unos pobres bastardos contra el régimen nazi.
Así, como en casi todas sus obras anteriores, la película de Tarantino es una historia coral cuyo título no hace referencia al escuadrón de “basterdos”, sino a todos sus personajes. Personas de mala suerte que, ahora más que en ningún otra película de Tarantino, no encuentran gloria alguna ni en muerte.
No hay largos tiroteos, sino violentos y breves momentos en los que la muerte sacude a los presentes, no importa lo encariñados que estemos con ellos, sin dejar títere con cabeza.

El autor, partiendo de las bases que le delimita su propia propuesta, realiza una obra de ficción en el sentido más brutal del término, por donde hace pulular a esta gama de personajes de lo más variopintos, encarnados con grandísimo acierto por todo el reparto. Un Brad Pitt pasadísimo de rosca e ideal en su breve papel, una Mélanie Laurent perfecta, un Michael Fassbender que demuestra que es más que músculos y, por supuesto, Christoph Waltz, el verdadero descubrimiento de la cinta.
Entre ellos se distribuye la tensión (los basterdos), el drama (Shosanna) y humor (Landa con los tres italianos), antes de la reunión en unos cuarenta minutos finales simplemente soberbios (hasta su magnífica última escena).

Como en Pulp Fiction o Kill Bill, Tarantino hace descansar la fuerza de su historia sobre unos diálogos casi intrascendentes que utiliza para construir la tensión, con resultado más o menos satisfactorio (la escena inicial o la de la taberna), y en los que, sorprendentemente, introduce unas buenas referencias cinéfilas, que, salvo detalles cansinos (la conversación a las afueras del cine), consiguen encajar en el conjunto.

Y, por supuesto, el campo audiovisual es un elemento a considerar, como ha sido desde Reservoir Dogs.
Con temas musicales de otras obras como banda sonora (a veces algo desconcertante pero en general perfecta) y un gran uso del sonido, Tarantino acompaña unas imágenes verdaderamente poderosas, no sólo por una cuidadísima fotografía de Robert Richardson, sino por su propia capacidad para planificar las tomas y dar a la película un sentido visual cada día más ausente del cine.

Así, Inglourious Basterds supone un amalgama de géneros y estilos realizado con maestría y que, aunque no logra llegar a la perfección (al final, la película termina siendo algo intrascendente), si se erige como la mejor película del año.

Frenesí

2009-11-30T00:00:00.002+01:00

(Frenzy, 1972)

Hay autores que, por una u otra razón, disfrutan de una carrera exitosa y, en sus últimos días, terminan olvidados en subproductos de dudosa calidad (y viene a la memoria Orson Welles anunciando lavadoras).
Por otro lado, los hay que permanecen toda su carrera con un nivel más o menos estable. Y ahí es donde encontramos a genios como Billy Wilder (pese a su último trabajo) o Alfred Hitchcock, del que lo peor que se puede decir es que sus cuatro últimas películas no eran tan redondas como sus mejores trabajos, y eso es casi un cumplido.

Cortina rasgada (Torn curtain, 1966) fue el primer film menor del británico tras una racha que sólo puede ser definida como impresionante, con peliculón tras peliculón desde la fallida Pánico en la escena (Stage Fright, 1950).
Al filme protagonizado por Paul Newman y Julie Andrews le seguiría Topaz (1969), una película algo amena aunque carente de garra, y Frenesí.
Una serie de asesinatos en Londres implican a un hombre inocente, mientras el verdadero culpable permanece fuera de toda sospecha.

Tras los dos intentos fallidos en el terreno del comunismo, el director de Psicosis (Psycho, 1960) volvió a casa para dirigir un guión de Anthony Shaffer, escritor de esa genialidad llamada La huella (Sleuth, 1972), y que le hacía volver al cine que más le caracterizó.
Frenesí es una actualización de varios de los conceptos presentes a lo largo de toda la carrera del inglés, que nos recuerda a Extraños en un tren (Strangers on a train, 1951), Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959) e incluso Falso culpable (The Wrong Man, 1956).

Guiada por tres historias (la del acusado, la del asesino, la del policía), la película tiene elementos e ideas característicamente hitchcockianas, ahora con escenas más fuertes de lo que era habitual.
Así, momentos como la aparición del primer cadáver (con los transeúntes girándose progresivamente), la brillantísima visualización del segundo asesinato (bajando por las escaleras), el primer plano silencioso de Anna Massey, las hilarantes cenas caseras o la última linea de diálogo, nos recuerdan la genialidad de un autor que, si bien no estaba en plena forma y dejó pasar algún momento fallido y hasta vergonzoso, tenía más talento en el dedo meñique de su pie izquierdo en una mala racha, que muchos otros en toda su carrera.
Así, Hitchcock hace de Frenesí un thriller perfectamente realizado, en el que, salvo Jon Finch (por un papel por momentos demasiado antipático), todos los actores realizan una interpretación impecable, en especial Barry Foster (con su cara de buen tipo), Billie Whitelaw y Alec McCowen.

El retorno del maestro al tono inglés que había dejado atrás hacía tantos años, y al que contribuye vitalmente la por momentos soberbia partitura musical de Ron Goodwin (por encima de la lúgubre música inicial compuesta por Henry Mancini), no es a día de hoy una de sus mejores películas (un listón muy alto), pero si un thriller por momentos brillante y una estupenda despedida del género.

Bienvenidos a Zombieland

2009-11-27T00:00:00.003+01:00

(Zombieland, 2009)

Estreno en España: 25 de Diciembre

En un año en que la Academia de Hollywood pretende aumentar el número de filmes nominados
a mejor película a diez (en lugar de los cinco habituales), sería de justicia que Bienvenidos a Zombieland encontrara su sitio ahí.
Quizás suene excesivo, pero no sería nada injusto si tenemos en cuenta las películas estrenadas este año (sin duda, se cuela entre las cinco mejores) y otras nominadas en años anteriores, como Juno (2007) o El desafío – Frost contra Nixon (2008).

Y es que puede que la película del casi debutante Ruben Fleischer no sea especialmente brillante o lograda, pero sin duda, dentro de sus limitaciones y pretensiones, es un trabajo perfectamente redondo.
En una tierra infestada por zombies, un joven sobrevivirá con la ayuda de unos pintorescos compañeros y de su guía de supervivencia para el holocausto de muertos vivientes.

Partiendo ya del genero al que se enfrenta, con el ya muy visto tema de invasiones zombies, y sin ningún objetivo que no sea capaz de cumplir, el guión de Rhett Reese y Paul Wernick está plagado de un logrado sentido del humor que por momentos asemeja la película a una versión americana de Zombies Party (Shaun of the dead, 2004) que a una película del genero al uso, y con algunas referencias verdaderamente brillantes.

Pero la principal baza es la capacidad de combinar este sentido del humor y un magnifico dominio de la autoparodia (con historias motivadas por twinkies) con, por qué no decirlo, cierta emotividad, entendida a su manera. Es en sus cuatro personajes principales, encarnados con una perfección maestra por Woody Harrelson (quien merece todos los premios existentes por esta interpretación), Jesse Eisenberg, Abigail Breslin y Emma Stone, donde Bienvenidos a Zombieland encuentra su encanto.

La película sabe sustentar sobre el humor unas personalidades que quizás no sean especialmente originales, pero no cabe duda de que caen enormemente simpáticas, y da momentos para el recuerdo como son la destrucción gratuita de la tienda, el viaje en coche y la llegada a L.A. (con Kingdom of rust de fondo), o todo su final.

Si además añadimos al cóctel las originales, rebuscadas y delirantes formas de matar a un zombie, Bienvenidos a Zombieland es una divertidísima comedia no peor que cualquier otra película independiente de moda.

Lobos humanos

2009-11-23T00:00:00.001+01:00

(Wolfen, 1981)

Y si el otro día hablábamos de depredadores, hoy seguimos con elementos de índole monstruosa y/o sobrenatural, pero retrocedemos unos años.
Dewy Wilson (Albert Finney) investiga una serie de asesinatos que parecen cometidos por una bestia en la ciudad de Nueva York.

En un primer vistazo, muchas cosas son las que llaman la atención de Lobos humanos.
La única película de Michael Wadleigh no relacionada con Woodstock (1970), cuenta en su reparto con unos casi primerizos Edward James Olmos, Tom Noonan, Gregory Hines y Diane Venora, y nos presenta como aguerrido detective de acción a Albert Finney.
Si esto es algo bueno o no, ya es otro tema.

Las cosas como son, hay que reconocer a Wadleigh un por aquel entonces prometedor talento visual, que es donde radica el mayor encanto (por no decir el único) de la película.
Con la atmosférica fotografía de Gerry Fisher y la efectiva (aunque no muy original) partitura de James Horner, el director presenta algunos momentos espectaculares (sus primeras tomas) y una ambientación y un tono cuanto menos curiosos en unas cuentas escenas (sus primeros veinte minutos y las escenas de la iglesia), incluyendo una visión subjetiva cuyo estilo y sonido parece haber sido una gran influencia para el Depredador (Predator, 1987) de McTiernan.

Pero ahí acaban prácticamente los puntos positivos de Lobos humanos. Y es que una dirección más o menos lograda no logra sacar adelante un guión y un reparto que no dan la talla.
Lo que comienza como una historia de misterio sobrenatural la mar de entretenida acaba desbocándose y convirtiéndose en una historietilla previsible, plagada de situaciones sin demasiado interés, cuando no forzadas o desconcertantes (todo su final).

Todo esto, con la presencia absoluta de un actor tan irregular como es Albert Finney, que aquí brinda esa cara de aburrimiento que tanto domina para interpretar a un personaje al que se ajusta poco o nada.

Aun así, Lobos humanos no deja de ser un entretenimiento medianamente ameno, en la tradición de cierto cine de terror de los años 80, que puede verse si no se pide demasiado.

Depredador

2009-11-20T00:00:00.000+01:00

(Predator, 1987)

El director John McTiernan es uno de esos grandes artesanos inexplicablemente olvidados por Hollywood.
Antes de que su paranoia le llevara a involucrarse en toda clase de líos con la justicia, McT era probablemente uno de los mejores directores de acción del momento, con una carrera corta pero (salvo pequeñas excepciones) potente.

Así, pasando por alto las casi insufribles Nómadas (Nomads, 1986) y Rollerball (2002), McTiernan tenía un currículo impresionante, con Jungla de Cristal (Die Hard, 1988), La caza del Octubre rojo (The Hunt for Red October, 1990) o El último gran heroe (Last Action Hero, 1993), y hasta cuando tenía problemas, medio paría productos tan dignos como El guerrero número 13 (una traducción irrisoria de The 13th Warrior, 1999), codirigida por Michael Chrichton (que, con sus más y sus menos, también tiene un par de trabajos como director la mar de recomendables).

Pero antes de brindarnos estas obras tan entretenidas, el director nos dio una película que quizás careciera del carisma o la madurez de sus otros trabajos, pero que, a todas luces, es la película de acción hipermusculada que mejor ha resistido el paso del tiempo.
Atrapados en la selva sudamericana, un grupo de soldados americanos son cazados por un ser de otro mundo.

Arnold Schwarzenegger se convirtió, guste o no, en todo un icono (no diré si bueno o malo) del cine de acción de los 80, tanto con productos de calidad (Terminator, 1984), como con subproductos de toda clase y color, desde Commando (1985) hasta Perseguido (The Running Man, 1987).
Quizás por tener al susodicho McTiernan detrás de las cámaras, Depredador es una película con la misma cantidad de esteroides, pero mucho más disfrutable, aun a día de hoy.

Y no es sólo por la diversión que supone ver como un grupo de tipos armados hasta los dientes y fumando puros disparan contra la naturaleza durante dos minutos hasta devastar por completo una parcela de dos kilómetros cuadrados.
Depredador es una entretenidísima mezcla de cine de acción, aventuras, ciencia ficción y terror, con un gran ritmo, una apreciable banda sonora de Alan Silvestri y una ambientación calurosa enormemente lograda.
Un estupendo entretenimiento sin pretensión alguna, punto.

The Box

2009-11-16T00:00:00.000+01:00

(2009)

Con tan sólo 25 años, el director Richard Kelly sorprendió a propios y a extraños con Donnie Darko, una de las películas de ciencia ficción más interesantes de los últimos años.
Cinco años después, y tras toda clase de problemas (y un recorte de 15 minutos en el metraje), Kelly estrenó (no en España) su segunda película, Southland Tales. Y si bien el guión (tampoco exento de valor) había dejado de ser el punto fuerte de la obra, la película probó que el director tenía un verdadero talento visual.

Tras el estrepitoso fracaso comercial de ésta (con un presupuesto de casi 20 millones, sólo ingreso 300.000 dólares), Kelly decidió ir por caminos algo más convencionales, adaptando un relato corto de Richard Matheson, y contando con Cameron Diaz y James Marsden para protagonizarlo.
The Box cuenta la historia de un matrimonio que recibe una extraña caja con un botón. Si lo pulsan, una persona a la que no conocen morirá y ellos recibirán un millón de dólares.

The Box reúne todos los elementos típicos de Kelly, pero, por primera vez, lo hace en un modo de piloto automático que por momentos asusta, ya desde su misma historia.
Y es que si algo llama la atención de The Box es lo convencional que puede llegar a ser.
Partiendo de una idea interesante y aportando ciertos elementos característicos, Kelly lleva la película por el terreno de lo fantástico, en lo que parece una versión seria de la delirantemente disfrutable Demasiados secretos para un hombre solo (The President's Analyst, 1967).

El problema no sólo es que los personajes que pululan por The Box carecen absolutamente de carisma y se enmarcan en los tópicos más vistos del cine (y son interpretados por demoledores errores de casting), sino que el argumento propuesto por Kelly termina resultando demasiado surrealista para ser real y demasiado real para ser surrealista. El director de Donnie Darko parece querer explicar lo inexplicable, fallando en el intento, y encerrándose a sí mismo en un cansino callejón sin salida en el que parece que todo vale.

Y si Richard Kelly falla, pues lo hace a lo grande y falla en absolutamente todo.
Visual y sonoramente, la película carece de la fuerza de sus anteriores trabajos, y más que intentar recrear un ambiente de la época o algo más irreal, la película se inscribe en la típica factura del thriller moderno, con un aspecto visual que no transmite nada, una banda sonora intrusiva (aunque acertada por momentos) y una pareja protagonista que no aguanta el peso de la película.

Al final, The Box es una película que no transmite nada y ni siquiera logra entretener.

Celda 211

2009-11-13T00:00:00.001+01:00

(2009)

La carrera de Daniel Monzón, aunque no demasiado brillante, no está exenta de cierto atractivo.
El mallorquín comenzó en esto del mundo del cine como crítico y de ahí dio el salto al guión con Desvío al paraíso (1994).
Su debut en la dirección sería con la curiosa pero no demasiado lograda El corazón del guerrero (2000), a la que seguiría la divertidísima e intrascendente El robo más grande jamás contado (2002).
Quizás con intención de no repetirse, Monzón pasó después al thriller con la monótona La caja Kovak (2006) y prueba ahora suerte en el drama carcelario con Celda 211.

Juan Oliver (Alberto Ammann) llega a su nuevo puesto como guardia de prisiones justo cuando estalla un motín. Atrapado en la cárcel, deberá hacerse pasar por un preso más para salir vivo de allí y reunirse con su mujer (Marta Etura), lidiando con el temible Malamadre (Luis Tosar).

Muchas cosas caben decir de Celda 211, tanto buenas como malas.
Y es que, si bien la película no es para nada despreciable, no puede evitar caer en ciertos convencionalismos y simplezas, especialmente en su inicio. Aunque no tan americanizado como cabría esperar, el guión de Monzón y Jorgue Gerricaechevarría (colaborador habitual de Alex De la Iglesia y de Monzón desde El robo más grande jamás contado) no puede evitar ciertos elementos que, si bien muy vistos en otras películas, se antojan verdaderamente forzados en una producción de estas características.

Presentaciones supuestamente impactantes, frases mil veces vistas en thrillers y situaciones por momentos inverosímiles (los dos o tres planos de personajes declarando carecen por completo de sentido) introducen Celda 211 y, afortunadamente, dejan paso a un drama carcelario en el que Monzón encuentra sus puntos fuertes, que quizás no sean muchos, pero son verdaderamente potentes.

Dejando de lado un desarrollo algo irreal y por momentos forzado, especialmente en la relación entre Juan y Malamadre (que parece responder más a tópicos del genero que otra cosa), es en los momentos concretos en los que Celda 211 logra impactar. Y si bien la dirección de Monzón no sobresale y por momentos resulta bastante impersonal, sabe imprimir un ritmo enormemente acertado a la obra, creando un gran interés y, en determinados momentos, una enorme tensión (toda la escena en la puerta de la prisión, que incluye el momento más impactante del film).

Y gran parte del merito de que Celda 211 funcione corresponde a sus dos protagonistas. Un correctísimo Ammann en su debut como protagonista y un estupendo Tosar, que consiguen dar a sus personajes la entidad que necesitan y hacen que su relación pueda mantenerse.

Rodeándoles se encuentra un reparto que oscila entre lo normal (un Antonio Resines a años luz de lo que demostró en Acción Mutante y Todo por la pasta) y lo mediocre (un Manuel Morón fuera de lugar), y un equipo técnico al nivel, del que sólo cabe destacar (para mal) la labor del por lo general excelente músico Roque Baños, que deja de lado su sonido habitual para meterse en percusiones que parecen más deudoras de la (irritante) banda sonora de Prison Break que otra cosa.

Al final, Celda 211 es una película que no acaba de soportar un análisis argumental concienzudo y que no es tan redonda como podría haber sido, pero que cuenta, especialmente en su segunda mitad, con más aciertos que fallos y, en última instancia, consigue dejar al espectador clavado en la butaca.

La noche del demonio

2009-11-02T00:00:00.003+01:00

(Night of the demon, 1957)

Tras sus comienzos de la mano del productor de cine de misterio Val Lewton (cuya trayectoria, si breve, no está para nada exenta de interés), con películas tan geniales como La mujer pantera (Cat People, 1942) o Yo anduve con un zombie (I walked with a zombie, 1943), Jacques Tourneur dio un giro a su carrera y comenzó a probar toda clase de géneros, con diferente suerte.
Desde la panfletaria Días de gloria (Days of glory, 1944) hasta la imprescindible Retorno al pasado (Out of the past, 1947), pasando por thrillers tan correctos como Berlín Express (Berlin Express, 1948) o filmes de aventuras como La mujer pirata (Anne of the Indies, 1951).

No sería hasta 1957 cuando el director decidió echar una mirada atrás y sacarse de la manga la que es una de sus mejores obras, una película marcada por las mutilaciones. Desde el productor que ignoró los deseos de Tourneur de hacer una película de terror sutil y se coló en la sala de montaje para introducir escenas de gigantes seres del averno, hasta el remontaje para su estreno en Estados Unidos, que dejó a la película con quince minutos menos de su ya corta duración.

La noche del demonio narra la llegada a Inglaterra de un eminente psicólogo americano (Dana Andrews) con el motivo de desacreditar a un supuesto experto en magia negra (Niall McGinnis).

Con este argumento, el guión de Hal E. Chester y Chales Bennet, colaborador habitual de Alfred Hitchcock en su etapa inglesa, rescata el espíritu de las mencionadas películas producidas por Lewton en los años 40, cuyo suspense y terror se basaban en lo sutil.
A pesar de esos dos minutos en que el susodicho demonio del título hace su aparición (en la visión original de Tourneur, era más intuido que mostrado), La noche del demonio se caracteriza por su sutileza y su guión de hierro, empezando por el malo de la función, ese por momentos ambiguo doctor Karswell encarnado magnificamente por McGinnis.

Dando una vuelta a los estereotipos, la película nos sumerge en el progresivo descubrimiento que hace Andrews de esta magia negra, junto a ese enemigo que va más allá de poner miradas malvadas, y que culmina en ese esplendido momento final con un abrigo de por medio.

La fotografía de Edward Scaife y la música de Cifton Parker son los elementos fundamentales que utiliza Tourneur para dotar a la película de esa ambientación tan característica que retrotrae al comienzo de su carrera.
El director francés crea una atmósfera de misterio (el comienzo) y terror (Andrews en el pasillo del hotel) que se erige como el complemento perfecto al guión de Chester y Bennet y que en última instancia hace de La noche del demonio la esplendida película que es.

Cómic: Hellboy

2009-10-23T00:00:00.003+02:00

Lanzado a la fama por las dos películas firmadas por Guillermo del Toro, Hellboy es uno de los superheroes más recientes del mundo del cómic y, junto con El Bruto, uno de los más logrados y estables a día de hoy.

La fuerte personalidad de Mike Mignola, conocido del mundo de la viñeta, convierte a Hellboy en su creación. A diferencia de lo que sucede con compañías como DC o Marvel, controladas por ejecutivos que buscan diseñar ergonomicamente los comics más comerciales, Mignola se asemeja más a Alan Moore y Eric Powell, en cuanto que controla perfectamente su universo personal.

Hellboy no está en manos de equipos creativos que buscan nuevos y enrevesados giros de argumento imposibles, ni en manos de autores que reversionan con mayor o menor acierto un personaje ajeno. Los comics de Hellboy, guste o no, están completamente en manos de Mignola.
Y el autor se desmarca de lo habitual con un superheroe que debe más a otros medios que al mundo del comic y cuya evolución y tramas guardan poco o ningún parecido con el mundo de Spider-man, por poner un ejemplo conocido.

Mignola vincula su pequeño demonio con el mundo del cine y la literatura y utiliza decenas de influencias para conformar un todo por el que sus personajes se mueven.
En última instancia, Hellboy y Abe Sapien parecen una mezcolanza entre Sam Spade y Arnold Swarchnegger pululando por los siniestros y bizarros mundos de H.P. Lovecraft.

Mignola saca adelante tan extraña combinación mediante historias cortas que toman elementos de antiguas tradiciones y leyendas macabras y se erigen como cuentos sombrios con peculiar sentido del humor y cierta ironía, que nos retrotrae tanto a los relatos cortos de Edgar Allan Poe, como a los de Roal Dahl o a Rod Serling.
Y el autor coloca estas pequeñas historias en medio de un cuadro mucho más grande, una épica historia que Mignola solo controla y cuyo desenlace algún día nosotros también conoceremos.

Aunque impacte a primera vista, el dibujo de Mignola, de trazo simple y algo esquemático, resulta perfecto para reflejar este universo personal. Y sus viñetas nos llevan a remarcar la enorme importancia del uso del color.
Lo que a veces parece más una formalidad o algo a quitarse de encima, el color, se ve en un puesto de inusitada importancia en el mundo de Hellboy.
La sencillez del dibujo de Mignola enfatiza marcadamente el contraste de claroscuros pero el color resulta vital para terminar de otorgar a la obra ese tono tenebroso, esa sensación de una monstruosa naturaleza insondable que tiñe toda la obra y que, en última instancia, ayuda a hacerla tan lograda y memorable.

Así, Hellboy es algo completamente distinto de lo que las películas o las revisitaciones de otros autores (Hellboy Jr., Historias extrañas) hacen, una obra oscura llena de influencias y conformada con pequeñas historias cargadas de ingenio.

Arma Fatal

2009-10-21T00:00:00.002+02:00

(Hot Fuzz, 2007)

El dúo británico compuesto por el director Edgar Wright y el actor Simon Pegg comenzó a llamar la atención con la divertida serie Spaced, que narraba en clave de humor las desventuras de dos compañeros de piso desde el prisma de las referencias cinéfilas y cultural.
Tras ésta, llegaría Zombies Party, nada brillante traducción española del título original (Shaun of the Dead), que no sólo seguía con ese humor peculiar y esas referencias, sino que ahora lo integraba en un argumento de cine de género, la invasión zombie.
Su trilogía de helados y sangre (llamada así por la presencia tanto de hemoglobina como de Cornettos de colores en cada película) había comenzado con esta película, y a ella habrían de seguirle Arma Fatal y la aun por estrenar The World's End.

Como tantos otros cineastas que comienzan, los británicos entran al mundo del cine con todas esas películas que les marcaron como guía.
Y si algunos cineastas se dejan influenciar por estas referencias y las incluyen en su cine de forma secundaria (Zodiac, Bosque de sombras o The Birthday), otros, como Wright o Quentin Tarantino, las sitúan a un nivel más destacado, pero siempre al servicio de la historia.

Así, reconocer los guiños da un valor extra al film, con la ventaja de que hablamos de una referencialidad mucho más accesible y genérica que la del mencionado director de Kill Bill, con elementos de conocimiento común entre cualquiera que haya visto cine de género negro y de acción. Con estos elementos, tenemos una película especial, pues hablamos de una comedia que hace semiparodia de elementos icónicos del cine que homenajea, pero ejerce a la vez de ejemplo de ese mismo cine.
Es decir, Arma Fatal es a la vez comedia y thriller de acción, funcionando perfectamente en ambos campos.

A esto cabe añadir un prodigioso sentido del revisionado. Wright y Pegg componen un guión de historia algo simple, pero de diálogos y situaciones prodigiosamente trabajadas. Y no sólo por su ingenio y su sentido del humor, que también, sino por su gusto por la autoreferencia.
Arma fatal está absolutamente plagada de bromas y chistes dentro de la propia película, desde los más obvios hasta los más sutiles, que no sólo consiguen una película con un atractivo en cada revisionado, sino que dejan al espectador pensando si detalles determinados son referencias muy rebuscadas o simples casualidades.

Con unos 9 millones de euros presupuesto, Wright demuestra un hacer excelente en su segunda película, sacando el máximo partido a cada céntimo, para lograr una obra verdaderamente entretenida, espectacular y adrenalítica cuando debe, con una última media hora simplemente genial, que deja en evidencia la mayoría del cine de acción actual.
Wright crea un ambiente de pequeño pueblo inglés que tiene más de lo que aparenta, y lo hace con un montaje simplemente prodigioso.

Junto a Chris Dickens, montador ganador del Oscar por Slumdog Millionaire, llena la película de cortes y planos rápidos que, lejos de cansar (como si le sucede a Michael Bay), resultan tan perfectamente calculados que permiten al director dar una emoción genuina a la película (la persecución al salir del supermercado), lo que convierte a Hot Fuzz no sólo en una gran comedia, sino en una de las mejores películas de acción de los últimos años.

Y, por último, de mención obligada resulta su reparto, encabezado por un Simon Pegg que tiene mucho más carisma del que Hollywood quiere darle (relegándole a secundario cómico), y con legendarios actores del cine inglés, incluyendo a un simplemente prodigioso Timothy Dalton, en el papel de su vida (lo cual tampoco es muy difícil).

Arma Fatal es una combinación impresionante de diferentes géneros, que funciona en todos y cada uno de ellos, erigiéndose como una película hilarante, entretenida y, es de agradecer, inteligente.

Videojuego: Uncharted

2009-10-19T00:00:00.002+02:00

(Uncharted: Drake's Fortune, 2007)

Poco a poco, el mundo del cine y el mundo de los videojuegos han ido fusionándose. Y mientras el primero cree que podrá captar la atención del público imitando a estos últimos (en aberraciones como Resident Evil 3 o Doom), el segundo piensa que lo mejor que puede hacer es copiar al primero.
Así, esta asimilación no se queda solo en lo exterior, con diversos músicos de cine dándonos grandes bandas sonoras (a destacar el Heart of Darkness de Bruce Broughton, el Broken Sword de Barrington Pheloung y el Lair de John Debney), sino que ha repercutido en un construcción más marcadamente cinematográfica de los juegos.

Así, muchos han dejado pasar los saltos del fontanero Mario sobre champiñones mutantes, para hacer videojuegos cuyo nivel de realismo o, en todo caso, ambición argumental, resulta mucho mayor.
Y si bien todos parecen encontrar en el sobrevalorado Hideo Kojima un perfecto ejemplo de esto, lo cierto es que el japonés tiene cada vez menos clara la barrera entre juego y cine, y se empeña en ralentizar la jugabilidad de sus obras con escenas cinemáticas largas, aburridas y, sobretodo, muy pretenciosas, que lo mismo pueden arruinar un juego (como casi sucede con Metal Gear Solid 4).

Uncharted, por su lado, es el perfecto ejemplo de como llevar correctamente esta combinación, y resulta mucho más cinematográfico de lo que la saga de Kojima jamás será.
Y es que el juego de Naughty Dog, cuya secuela saldrá en breve, bebe de innumerables fuentes del cine de aventuras, desde la clásica Indiana Jones (con todo su componente místico y sobrenatural) hasta la reciente y prescindible La búsqueda (con su banda sonora y ciertos personajes), y su argumento, perfectamente acotado por sus limitaciones, se extiende tanto como necesita, no privando en ningún momento de tiempo de juego y dando cortas pero interesantes y amenas escenas cinemáticas. Es decir, su guión no es brillante, pero nadie lo demanda.
Su jugabilidad, por otro lado, termina resultando excesivamente repetitiva. Y es que la monotonía de escenarios (la selva sudamericana) y situaciones (emboscadas constantes) terminan repercutiendo en contra del propio juego.

No obstante, quizás por su corta duración (lo cual no siempre es una desventaja) y por su intuitivo manejo, Uncharted termina siendo un juego la mar de entretenido, adictivo por momentos, y una cura de humildad para todos los que se emperran en promocionar cada juego que crean como una obra magna de la creatividad humana.

Música: In the Hall of the Mountain King (Peer Gynt)

2009-10-18T00:00:00.000+02:00

Edvard Grieg

Para cerrar esta semana de la música, melodías que usted no debería silbar si visita Düsseldorf.

Música: Cello Concerto

2009-10-17T00:00:00.001+02:00

Antonin Dvorak

Música: Alleluia and Fugue

2009-10-16T00:00:00.003+02:00

Alan Hovhaness

Música: Flos Campi

2009-10-15T00:00:00.002+02:00

Ralph Vaughan Williams

Seguimos con el compositor inglés, con un tema que fue utilizado en el remontaje de The Thief and The Cobbler. Mención especial al minuto 5:29 del segundo video.

Música: The Running Set

2009-10-14T00:00:00.000+02:00

Ralph Vaughan Williams

Mucho más energética que la Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis, uno de los mejores trabajos de Vaughan Williams (una lista muy larga en verdad).

Música: 'Antar' Symphony

2009-10-13T00:00:00.003+02:00

Nikolai Rimsky-Koraskov

Para seguir con la semana de la música en El Blog Mortal 2.0, o algo así, La segunda sinfonía de Rimsky-Koraskov, "Antar", un gran trabajo que ha servido de inspiración para numerosas bandas sonoras, incluyendo las que Howard Shore compuso hace pocos años para la trilogía de El señor de los anillos. Atención al comienzo del primer movimiento, donde las similitudes entre las dos obras son más que evidentes.

Música: Little Birdie

2009-10-12T00:10:00.001+02:00

Vince Guaraldi

Comienza la semana de la música en El Blog Mortal 2.0

Kiss Kiss Bang Bang

2009-10-09T00:00:00.005+02:00

(2005)

Quien iba a decir que una de las mejores películas de cine negro recientes iba a venir del firmante de la entretenida (pero intrascendente) Arma Letal.

Shane Black, quien ya tuvo un pequeño papel en Depredador y fue guionista de la mitad de las películas de acción decente en los años 80, debutó en la dirección con esta película en la que la ambición se veía ya sólo en el reparto, que reunía al ex-alcohólico Robert Downey Jr. con el conflictivo Val Kilmer, como si Black no temiera un posible apocalipsis en medio del rodaje.
Pero el guionista sabía lo que se hacía, y no sólo supo controlar perfectamente a sus actores, sino que les sacó sus mejores actuaciones hasta el momento y los puso a plena disposición de un guión que echaba un vistazo al cine negro de una forma pocas veces vista.

Así, a la hora de realizar una actualización de las historias de Dashiell Hamett o Raymond Chandler, sobre el engaño y las traiciones, el cineasta no optó por una visión excesivamente respetuosa, sino por una actualización de su filosofía tanto el mundo moderno como al medio cinematográfico.

Black nos cuenta una historia de perdedores y tipos de sueños frustrados, envueltos en la sordidez del mundo (impresionante la referencia al abuso de menores), como quien expía sus demonios largamente encerrados y abre su alma al público; y lo hace, lejos de lo que cabría esperar de un debutante tardío y no demasiado brillante como guionista, con un uso del metalenguaje inusual.

El director utiliza una estructura hasta cierto punto de libro, como la división por capítulos y la voz en off, y se vale al mismo tiempo del lenguaje cinematográfico de forma no muy usual, con escenas alucinatorias (la hilarante resurrección final) y pausas en la cinta (sublime epílogo); lo cual, aunque en ocasiones no funcione tanto como debería, descubre no sólo a un tipo con buenas ideas, sino que además sabe cómo llevarlas a cabo.

Kiss Kiss Bang Bang termina siendo una película de género negro más inteligente de lo que cabe esperar y aunque no sea especialmente genial sí resulta entretenida y estimable.

Pelham uno, dos, tres

2009-10-07T00:00:00.002+02:00

(The Taking of Pelham One Two Three, 1974)

Hace un par de meses hablábamos de Asalto al tren Pelham 1 2 3. Y nunca está de más echar un vistazo a la fuente directa de inspiración. Aunque basada en una novela de John Godey, la película de Tony Scott toma gran parte de su guión (por no decir todo) de esta primera versión.
Pelham uno, dos, tres narra el secuestro de un vagón del metro de Nueva York y la negociación entre los criminales y el jefe de seguridad.

De la mano de Joseph Sargent, la película puede considerarse una de las iniciadores de la moda de secuestros. Secuestros de aviones, secuestros de barcos, secuestros de autobuses... Todas toman algo de sus predecesoras pero están muy por debajo de ellas.
Y eso que con Pelham uno, dos, tres no hablamos de ninguna obra maestra del cine, pero sí de una película entretenida, honesta y digna.

Así, si bien es cierto que el guión de Peter Stone cuenta con momentos algo simples u obvios, especialmente en una primera media hora en que los personajes repiten tres veces cada frase para que nadie la pase por alto, y se cuelan, así como el que no quiere la cosa, críticas bien poco sutiles hacia la política (un alcalde enfermo que no quiere salir de la cama); se compensan con otros muchos puntos positivos.

Estos detalles reprochables quedan en nada en una historia simple pero con sus buenos aciertos (el accidente de coche), un sentido del humor la mar de estimable (su antológico plano final) y unos protagonistas que no por sencillos pecan de simples, porque la película cuenta con un reparto de esos que pueden elevar una historia.

Los espléndidos actores que son Walter Matthau, Robert Shaw y Martin Balsam, entre muchos otros, dan a sus papeles una dignidad y un porte que los define y los hace realmente atractivos. Con el humor del primero, la determinación del segundo y el aspecto bonachón del tercero, Pelham uno, dos, tres consigue darnos esos personajes que, sin ser legendarios, sí que nos proporcionan unos buenos momentos y permanecen en nuestra memoria.

A diferencia del remake, que cree que dar un tono dramático a la cinta y mencionar repetidas veces a la mujer de tal o cual hace mejor una cinta, los encargados de esta primera versión parecen ser conscientes plenamente de sus limitaciones y optan por un tono mucho más distendido y menos ambicioso, pero no por ello peor.

Y aun a pesar de ese guión algo obvio o de un director irregular (la acción final del personaje de Shaw es probablemente el momento peor filmado de la cinta), lo cierto es que Pelham uno, dos, tres, en su afán de entretener con dignidad y dejar al espectador con una sonrisa de oreja a oreja, se convierte en una película que da gusto ver.